Cách Amazon của người tiên phong người Nga đã chinh phục Paris và hơn thế nữa: Natalia Goncharova

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Natalia Goncharova là một nghệ sĩ, nhà thiết kế và nhà văn xuất sắc người Nga. Cô trở nên nổi tiếng trên toàn thế giới nhờ những tác phẩm tươi sáng, ngon ngọt và phi thường kết hợp nhiều phong cách: từ Chủ nghĩa Fauvism và Lập thể đến Chủ nghĩa Vị lai và Tân nghệ thuật. Cô cũng được biết đến với những bộ trang phục và bộ đồ cho múa ba lê và sân khấu, những bộ trang phục nổi bật về tính linh hoạt và thiết kế khác thường trong thời đó.

Trong hai thập kỷ đầu của thế kỷ 20, nghệ thuật Nga đã tiếp thu những phong cách và triết lý mới của nghệ thuật Tây Âu và vươn lên hàng đầu về văn hóa. Goncharova và chồng Mikhail Larionov, với công việc và nỗ lực tổ chức các cuộc triển lãm và các nhóm sáng tạo, đã nhận thấy mình là trung tâm của cuộc cách mạng nghệ thuật này, vốn đi trước và đồng hành với biến động chính trị trong nước.

Natalia sinh ra ở Nagaevo, miền Trung nước Nga. Gia đình Goncharov đã mất đi tài sản của họ dựa trên sản xuất lanh vào cuối thế kỷ 18. Nhà thơ nổi tiếng Pushkin đã kết hôn với một trong những tổ tiên của cô, Natalia Goncharova, người mà sau đó cô được đặt tên. Cha cô là một kiến trúc sư. Gia đình của mẹ Natalia, gia đình Belyaev, đã sinh ra một số linh mục và được biết đến như những người bảo trợ âm nhạc.

Trong những năm đầu của cô, Natalya tham gia một phòng tập thể dục ở Moscow. Và ở độ tuổi tỉnh táo hơn, quyết định trở thành một nghệ sĩ, cô vào Trường Hội họa, Điêu khắc và Kiến trúc (Moscow), nơi cô học điêu khắc với Pavel Trubetskoy, người đã làm việc theo phong cách của Auguste Rodin. Cô rời đại học ba năm sau đó, mặc dù giành được huy chương bạc và không hoàn thành thời gian học mười năm cho chương trình học. Điều này trùng hợp với việc cô chấp nhận vẽ tranh như một phương tiện biểu đạt ưa thích của mình.

1. Sự nghiệp và chồng

Đến năm 1900, Goncharova gặp người chồng tương lai của mình, Mikhail Larionov. Anh ấy cũng học đại học, nhưng khoa hội họa. Quyết định tham gia hội họa của cô được Mikhail ủng hộ, niềm đam mê của cô với ánh sáng và sự hài hòa của màu sắc trong tương lai đã trở thành dấu ấn của nghệ sĩ.

Giống như nhiều nghệ sĩ Nga cùng thời, những năm đầu của thế kỷ XX là thời kỳ làm quen và chấp nhận các phong cách đã phát triển ở các thủ đô của Tây Âu. Vào thời điểm đó, cô bị thu hút bởi Chủ nghĩa ấn tượng và Chủ nghĩa chia đôi, những phong cách tương ứng với Monet và Seurat. Cả hai phong cách đều nhấn mạnh không phải hình ảnh của các vật thể rắn, mà là sự thu nhận ánh sáng (màu sắc) được phản chiếu từ vật thể tới mắt. Do đó, bản vẽ thường lỏng lẻo, và tập trung vào màu sắc cũng như nét vẽ. Điều này dẫn đến nhận thức về sơn, nét cọ, kết cấu và cách vẽ trên canvas. Hai phong cách này rất cần thiết để giải phóng nghệ thuật khỏi một nhân vật đại diện thuần túy. Các nghệ sĩ bắt đầu nhận ra rằng nghệ thuật là một biểu hiện thẩm mỹ, lấy cảm hứng từ sự xuất hiện của thế giới vật chất, nhưng không phụ thuộc vào nó.

Một lần nhà múa ba lê vĩ đại của Nga impresario Diaghilev đã tổ chức đưa bộ sưu tập tranh của Goncharova và Larionov vào phần Nga của Salon mùa thu ở Paris. Việc họ tham gia triển lãm thường niên về nghệ thuật cấp tiến mới được thành lập này (cùng năm 1906, nhóm Các loài vật đầu tiên được giới thiệu ở đó) minh chứng cho thực tế rằng cả hai nghệ sĩ đều được coi là hình mẫu của khuynh hướng Avant-garde của đất nước họ. Trong chín năm tiếp theo, trước khi di cư khỏi Nga, Natalia đã tham gia một số cuộc triển lãm quan trọng, nhiều cuộc triển lãm do cô và Mikhail tổ chức. Trong giai đoạn này, cô cũng đã được giới thiệu tại triển lãm Hậu ấn tượng năm 1912 do Roger Fry tổ chức tại Phòng trưng bày Grafton ở London, cũng như tại các triển lãm cá nhân ở Moscow và St. Petersburg, và tại một cuộc triển lãm tại Phòng trưng bày Paul Guillaume ở Paris. với danh mục của nhà phê bình nổi tiếng Apollinaire.

2. phong cách của chủ nghĩa xa rời

Nửa thế kỷ trước khi chiến tranh bắt đầu là thời kỳ phát triển nhanh chóng của mỹ thuật ở Nga. Natalia là người đi đầu trong phong trào này.

Đáng ngạc nhiên là ba hướng khác nhau đã được thể hiện đồng thời trong công việc của cô: chủ nghĩa khu vực, chủ nghĩa tân nguyên thủy và chủ nghĩa vị lai lập thể.

Kiểu đầu tiên trong số đó là kiểu dáng ban đầu do Mikhail hình thành và được Natalia nghiên cứu sâu rộng.

Chủ nghĩa phân biệt vào thời điểm đó là một trong những phong cách hoàn toàn trừu tượng trong nghệ thuật phương Tây. Giống như chủ nghĩa Ấn tượng, chủ nghĩa khu vực tập trung vào các tia sáng phản chiếu từ các vật thể. Không thể đo lường được không gian trong bức tranh của bức xạ, nhưng là một bầu khí quyển được tích điện bằng năng lượng của vô số tia sáng, trực tiếp từ mặt trời, hoặc nhiều khả năng là các tia phản xạ trở lại từ các vật thể vật chất xung quanh nó. Nguyên tắc hướng dẫn hoàn toàn là thẩm mỹ trong đó màu sắc được chọn để hài hòa hoặc tạo hiệu ứng thị giác.

Trong hơn ba thập kỷ, các nghệ sĩ đã bị cuốn hút bởi ý tưởng tạo ra tác phẩm nghệ thuật phi tượng hình dựa trên sự phối hợp của màu sắc. Nếu âm nhạc hoàn toàn trừu tượng và đồng thời, biểu cảm vô hạn, thì không thể có một nghệ thuật sử dụng màu sắc (thay vì âm thanh) sẽ vừa trừu tượng và biểu cảm.

Thay vì các hình thức rời rạc, liên kết với nhau được tìm thấy trong Chủ nghĩa Lập thể, loạt phim Cats dựa trên các nét vẽ dài và cắt màu. Chủ nghĩa xa rời là một phong cách tồn tại ngắn ngủi và đã kết thúc vào năm 1914. Franz Marc, liên kết với Munich Blaue Reiter (người mà Natalia đã triển lãm hai năm trước đó), ngưỡng mộ tác phẩm của cô và đã viết theo cách lấy cảm hứng từ chủ nghĩa lệch lạc, có thể do ảnh hưởng của cô.

3. Phong cách chủ nghĩa nguyên thủy

Không bị gò bó và bồn chồn, tìm kiếm nguồn cảm hứng mới, cô cũng phụ thuộc rất nhiều vào các họa sĩ lập thể thời kỳ đầu như Pablo Picasso trong một thời gian. Giai đoạn này trong công việc của cô kéo dài trong vài năm và bao phủ bức tranh của cô, lấy cảm hứng từ truyền thống Nga.

Nhưng những hình minh họa của cô cho một số tập thơ của Velimir Khlebnikov và Alexei Kruchenykh cho thấy sự tận tâm của cô đối với các loại hình nghệ thuật cổ đại của Nga như biểu tượng, bích họa tôn giáo và tranh khắc gỗ. Năm 1913, bà tuyên bố mạnh mẽ rằng bà đang quay lưng lại với phương Tây, dành thiện cảm cho phương Đông.

Tại một trong những cuộc triển lãm ban đầu của bà, các bức tranh theo trường phái nguyên thủy và lập thể đã được giới thiệu, và tại một cuộc triển lãm sau đó, do chồng bà tổ chức, hơn năm mươi tác phẩm của Natalia đã được trưng bày. Cô ấy đã lấy cảm hứng cho chủ nghĩa nguyên thủy từ các biểu tượng và nghệ thuật dân gian của Nga, hay còn được gọi là các bản in phổ biến. Cuộc triển lãm thứ hai, sau đó được hình thành như một sự phá vỡ có chủ ý với ảnh hưởng nghệ thuật châu Âu và việc thành lập một trường phái nghệ thuật đương đại độc lập của Nga. Sự kiện này đã gây tranh cãi, và cơ quan kiểm duyệt đã tịch thu tác phẩm có chủ đề về tôn giáo của Natalia "Những người truyền bá phúc âm", coi việc trưng bày nó tại một cuộc triển lãm có tên là "The Donkey's Tail" là một điều báng bổ. Natalia và Mikhail từ lâu đã bị bức hại vì các tác phẩm của họ và cách họ thể hiện bản thân. Nhưng ngay cả trong các tác phẩm sau này của Natalia, ảnh hưởng của chủ nghĩa vị lai Nga cũng đáng chú ý. Ban đầu bị cuốn hút bởi hội họa biểu tượng và tính nguyên sơ của nghệ thuật dân gian dân tộc Nga, Natalia đã trở nên nổi tiếng ở Nga nhờ tác phẩm tương lai của cô (một trong số đó là bức tranh có tên Người đi xe đạp).

Natalia và Mikhail, vẽ mặt bằng chữ tượng hình và hoa, đi bộ trên đường như một phần của phong trào nghệ thuật nguyên thủy. Bản thân Natalia hết lần này đến lần khác không ngại xuất hiện trước công chúng với biểu tượng bán khỏa thân trên ngực. Với tư cách là những nhà lãnh đạo của những người theo chủ nghĩa tương lai ở Moscow, họ đã tổ chức những đêm diễn thuyết đầy khiêu khích giống như những người đồng cấp Ý của họ. Ngoài ra, Natalia đã viết và minh họa cho một số cuốn sách tiên phong.

Natalia là thành viên của nhóm Blue Rider tiên phong ngay từ ngày đầu tiên thành lập (1911). Bốn năm sau, cô bắt đầu phát triển trang phục và bộ ba lê ở Geneva. Và ngay sau đó cô bắt đầu thực hiện một loạt các bản phác thảo cho vở ba lê của Diaghilev, nhưng, thật không may, vở ba lê không bao giờ được thành hiện thực.

Vài năm sau, cô chuyển đến Paris, nơi cô đã tạo ra một số vở ballet Nga của Diaghilev. Cô cũng triển lãm tại Salon d'Automne và thường xuyên tham gia vào Salon des Tuileries và Salon of độc lập.

Natalia và Mikhail đã hợp tác trong bốn sự kiện từ thiện ở Moscow. Cả hai đều phát triển hầu hết các tài liệu quảng cáo cho sự kiện.

4. Phong cách tân nguyên thủy

Song song với chủ nghĩa Rayonism, Natalia đã viết theo một phong cách mà ngày nay được gọi là chủ nghĩa tân nguyên sơ. Đó là một hiện tượng trước đây đã xảy ra ở Pháp và các nơi khác và dường như có liên quan đến sự thay đổi nguyện vọng chính trị, xã hội và văn hóa. Kết hợp với quá trình dân chủ hóa tư tưởng chính trị và xã hội, thường có xu hướng cố gắng khám phá bản sắc sâu sắc hơn của văn hóa dân tộc bằng cách chuyển sang nghệ thuật dân gian hoặc nghệ thuật nông dân truyền thống để lấy cảm hứng. Do nền tảng giáo hội của gia đình cô và thực tế là cô đã dành cả tuổi trẻ của mình để sống trên một khu đất nông thôn, Natalia sẽ bị cuốn hút vào tôn giáo và nghệ thuật dân gian truyền thống như một phần trong kinh nghiệm hình thành của cô và nghệ thuật thị giác của đồng bào cô. Đây là thời kỳ mà giới trí thức bắt đầu xem các biểu tượng (hình ảnh phụng vụ của Nga) như một di sản văn hóa quốc gia quan trọng. Cuộc triển lãm lớn của Romanov về các biểu tượng đã làm phấn khích nhiều người nhạy cảm về mặt thẩm mỹ.

Natalia đã viết về chủ đề tôn giáo trong một số năm, cảm thấy rằng ý nghĩa tôn giáo mãnh liệt và ý nghĩa của các biểu tượng là một trong những mục tiêu quan trọng nhất mà một nghệ sĩ nắm bắt trong tác phẩm của mình. Màu sắc phong phú, hiệu ứng trang trí rực rỡ và tính chất trang trọng hóa và cách điệu của các biểu tượng đã tạo cảm hứng cho cô làm việc.

Điều này khiến cô ấy phải dùng đến một cách không liên quan đến thực hành học thuật. Ngoài việc nhấn mạnh chất lượng trang trí bằng phẳng, đôi khi sơn có vẻ như bị bắn tung tóe trên bề mặt hoặc được thi công nhanh chóng để tạo hiệu ứng tự phát. Sự quyến rũ và ngây thơ, trước đây đã được hát trong tranh của Henri Rousseau, đã xuất hiện trong tác phẩm của nghệ sĩ người Nga và điều rất quan trọng đối với cô, được mượn từ các nguồn địa phương.

5. Phong cách lập thể-tương lai

Từ năm 1913 đến năm 1914, Chủ nghĩa Vị lai, các khía cạnh của phong cách hiện đại lúc bấy giờ là Chủ nghĩa Lập thể và Chủ nghĩa Vị lai, đã xuất hiện trong bức tranh của Natalia. Chủ nghĩa lập thể được các nghệ sĩ Nga biết đến qua các ấn phẩm, triển lãm và bộ sưu tập như bộ sưu tập Morozov và Shchukin. Chủ nghĩa lập thể thiên về màu sắc ủng hộ một cảm giác mới về sự phân mảnh cấu trúc và sự gắn kết của hình thức, dẫn đến một bố cục sinh động đồng nhất trong đó mối quan hệ hình / mặt đất bị loại bỏ.

Chủ nghĩa vị lai của Ý cũng xuất hiện ở Nga trong những năm ngay trước Chiến tranh thế giới thứ nhất.

Chủ nghĩa vị lai của cô, giống như chủ nghĩa của người Ý, đầy màu sắc. Cảm giác chuyển động được tạo ra bởi sự lặp lại nhịp nhàng của các hình hoặc đường. Việc bao gồm các từ có màu hoặc các mảnh từ như thể chúng là từ các dấu hiệu và một phần của môi trường mà người đó đi qua, càng góp phần vào nhận thức này. Sóng âm thanh cũng được ngụ ý bởi các hiệu ứng nhịp điệu và đôi khi bằng cách sử dụng ký hiệu âm nhạc.

6. Những năm cuối đời

Natalia đã dành phần đời còn lại của mình ở Paris, được công nhận là một thành viên quan trọng của cộng đồng nghệ thuật của thành phố. Cô tiếp tục vẽ tranh, nhưng công việc đáng chú ý nhất của cô là trong lĩnh vực thiết kế sân khấu. Trong lĩnh vực này, cả cô và Michael đều trở thành những ngôi sao thế giới. Natalia ngày càng xác định rõ công việc của mình với Pháp. Năm 1936, cô và Mikhail tham gia một cuộc thi nghệ thuật sân khấu quốc tế quan trọng được tổ chức tại Milan. Họ thích trưng bày tác phẩm của mình trong phần tiếng Pháp hơn là phần Liên Xô, và khi họ giành được huy chương bạc, chính nước Pháp đã thuộc về họ.

Sau cuộc xâm lược nước Pháp của Adolf Hitler vào mùa xuân năm 1940, Natalia và Mikhail bị Đức chiếm đóng. Trong những năm tháng khó khăn sau đó, cả hai đều xoay sở để tiếp tục sự nghiệp của mình trong nhà hát. Sau đó, một cuộc triển lãm các bức tranh thiên vị của họ ở Paris đã nhắc nhở công chúng về vai trò nổi bật của họ đối với sự phát triển của nghệ thuật đương đại vào thời điểm chuyển giao thế kỷ. Như một số người đã tranh luận, hai nghệ sĩ đã cố tình vượt xa một số tác phẩm của họ, đôi khi hơn một thập kỷ, để củng cố danh tiếng của họ với tư cách là những nghệ sĩ tiên phong.

Mikhail bị đột quỵ và tình hình tài chính của hai vợ chồng vốn chưa bao giờ đặc biệt thoải mái lại càng trở nên bấp bênh hơn. Họ sống sót một phần nhờ bán những bức tranh ban đầu của họ. Natalia cũng bị nhiều chứng bệnh về thể chất, bao gồm cả một dạng viêm khớp nặng, khiến cô không thể vẽ trên giá vẽ. Tiếp tục thể hiện sự tận tâm trong công việc, cô đặt tấm bạt trước mặt ở vị trí ngang bằng để tiếp tục thao tác với cọ.

Natalia thực hiện nỗ lực cuối cùng của mình trong việc thiết kế nhà hát vào năm 57. Nó bao gồm trang phục và bộ cho một loạt các vở ba lê ở Monte Carlo. Một năm sau, cô tổ chức buổi triển lãm cuối cùng về bức tranh của mình ở Paris, trưng bày khoảng 20 bức tranh lấy cảm hứng từ vụ phóng vệ tinh không gian Sputnik của Nga.

Hai vợ chồng vẫn gặp khó khăn về vấn đề tài chính. Chỉ có việc bán một phần đáng kể thư viện và các tác phẩm của vợ chồng cho Bảo tàng Victoria và Albert ở London mới giúp duy trì khả năng thanh toán của họ.

Natalia chết vì bệnh ung thư ở Paris. Trên bia mộ của cô ấy chỉ đơn giản viết rằng cô ấy là một nghệ sĩ và họa sĩ. Cái chết của Mikhail đến ngay sau đó. Anh được chôn cất bên cạnh cô với dòng chữ tương tự trên bia mộ.

Tiếp tục chủ đề hội họa - sáu nhà lãnh đạo thế giới trở nên nổi tiếng không chỉ trong lĩnh vực chính trịcũng như trong nghệ thuật.