7 họa sĩ theo trường phái biểu hiện vĩ đại đã chinh phục thế giới như thế nào, những tác phẩm của họ được đánh giá cao trên toàn thế giới: Munch, Kandinsky, v.v

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Tác phẩm của các nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện là một bí ẩn rất khó giải đáp, và những hình ảnh họ tạo ra rất đa dạng và mâu thuẫn đến mức, nhìn vào họ, có một nơi để trí tưởng tượng bay lượn. Việc nhấn mạnh vào màu sắc, đường nét đứt và nét rách chỉ là một phần nhỏ trong số những gì, ngay từ những giây đầu tiên, thu hút sự chú ý của người xem, lôi cuốn anh ta vào thế giới nghệ thuật lập dị, nơi mọi thứ không hề đơn giản như thoạt nhìn., bởi vì mỗi bức tranh đều có một câu chuyện riêng, và mỗi nghệ sĩ đều có phong cách nổi bật và dễ nhận biết của riêng mình, đã trở thành tấm thẻ thăm viếng trong nhiều thế kỷ …

1. Edvard Munch

Edvard Munch, người chưa bao giờ kết hôn, gọi những bức tranh của mình là những đứa con của mình và ghét bị tách khỏi chúng. Sống một mình trên điền trang gần Oslo trong suốt 27 năm cuối đời, ngày càng được tôn sùng và ngày càng bị cô lập, anh ấy xoay quanh mình với công việc từ thuở mới bắt đầu sự nghiệp lâu dài của mình. Sau khi ông qua đời vào năm 1944, ở tuổi 80, các nhà chức trách đã tìm thấy đằng sau những cánh cửa khóa trên tầng hai của ngôi nhà của ông là một bộ sưu tập hơn một nghìn bức tranh, bốn nghìn rưỡi bản vẽ và gần 15 nghìn rưỡi bản in, như cũng như tranh khắc gỗ, bản khắc, bản in thạch bản. đá in thạch bản, tranh khắc gỗ, mảng đồng và ảnh. Tuy nhiên, trong hoàn cảnh trớ trêu cuối cùng của cuộc đời khó khăn của mình, Munch ngày nay được biết đến với tư cách là người tạo ra một hình ảnh làm lu mờ thành tích chung của ông với tư cách là nghệ sĩ và thợ in tiên phong, có ảnh hưởng.

Scream của anh ấy là một biểu tượng của nghệ thuật hiện đại, một bức tranh mô tả một sinh vật vô tính, xương xẩu với khuôn mặt bào thai, miệng mở to và đôi mắt mở to trong tiếng hét kinh hoàng, tái hiện lại một tầm nhìn bao trùm lấy anh ấy vào một buổi tối thời trẻ khi anh ấy đang đi dạo. với hai người bạn. Vào lúc hoàng hôn.

Tại Ackley, anh vẽ tranh phong cảnh, miêu tả cuộc sống nông thôn và nông trại xung quanh anh, đầu tiên là những gam màu tươi vui và sau đó là những gam màu tối hơn. Anh cũng quay lại những hình ảnh yêu thích của mình, tạo ra những phiên bản mới của một số bức tranh.

Trong những năm cuối đời, nghệ sĩ hỗ trợ tài chính cho các thành viên còn sống trong gia đình và liên lạc với họ qua thư, không muốn đến thăm họ. Anh ấy đã dành phần lớn thời gian ở một mình, mô tả sự đau khổ và tủi nhục trong những năm tháng cao cấp của mình. Khi anh ấy bị tấn công bởi bệnh cúm suýt chết trong Đại dịch, anh ấy đã chụp lại hình dáng gầy guộc, râu ria của mình trong một loạt các bức chân dung tự họa ngay khi anh ấy có thể cầm bút lông lên.

Ngoài ra, ông còn vẽ một số bức chân dung tự họa, trên một trong số đó có tựa đề "Giữa đồng hồ và chiếc giường", niên đại từ năm 1940-1942, ngay trước khi ông qua đời, người xem sẽ thấy những gì đã trở thành một người đàn ông, như ông đã viết., tụt lại sau "Vũ điệu cuộc sống".

Đông lạnh và khó xử, cậu đứng kẹp giữa đồng hồ của ông mình và giường, như thể xin lỗi vì đã chiếm quá nhiều không gian. Trên bức tường phía sau anh là "những đứa con" của anh, đứa này ở trên đứa kia. Là một bậc cha mẹ tận tụy, anh đã hy sinh tất cả cho chúng …

2. Wassily Kandinsky

Một trong những nghệ sĩ tiên phong của nghệ thuật đương đại trừu tượng, Wassily Kandinsky đã sử dụng mối quan hệ giàu sức gợi giữa màu sắc và hình dạng để tạo ra trải nghiệm thẩm mỹ liên quan đến thị giác, âm thanh và cảm xúc của khán giả. Ông tin rằng sự trừu tượng hóa hoàn toàn cho phép thể hiện sâu sắc, siêu việt và việc sao chép từ tự nhiên chỉ can thiệp vào quá trình này.

Được truyền cảm hứng mạnh mẽ từ việc sáng tạo nghệ thuật có thể truyền tải cảm giác tâm linh phổ quát, ông đã giới thiệu một ngôn ngữ hình ảnh mới chỉ kết nối lỏng lẻo với thế giới bên ngoài, nhưng thể hiện nhiều về trải nghiệm nội tâm của người nghệ sĩ. Vốn từ vựng về hình ảnh của anh ấy phát triển theo ba giai đoạn, chuyển từ giai đoạn đầu, những bức tranh vẽ đại diện và biểu tượng thần thánh của chúng sang những tác phẩm nhiệt huyết và mạnh mẽ của anh ấy, cũng như những bức vẽ bằng màu phẳng hình học và sinh học sau này của anh ấy. Nghệ thuật và ý tưởng của Vasily đã truyền cảm hứng cho nhiều thế hệ nghệ sĩ, từ sinh viên của ông tại Bauhaus đến những người theo trường phái biểu hiện trừu tượng sau Thế chiến thứ hai.

3. Egon Schiele

Với phong cách đồ họa đặc trưng của mình, chấp nhận sự méo mó về hình tượng và mạnh mẽ thách thức các tiêu chuẩn cái đẹp thông thường, Egon Schiele là một trong những nhân vật hàng đầu trong trường phái Biểu hiện của Áo.

Những bức chân dung và chân dung tự họa của ông, những nghiên cứu cháy bỏng về tâm lý và sự gần gũi của những người trông nom ông, là một số tác phẩm nổi bật và đáng nhớ nhất trong thế kỷ 20. Người nghệ sĩ, nổi bật trong suốt sự nghiệp ngắn ngủi của mình, nổi tiếng không chỉ vì tác phẩm giàu tính tâm lý và ăn mòn, mà còn bởi tiểu sử hấp dẫn: lối sống xa hoa của ông được đánh dấu bằng tai tiếng, tai tiếng và cái chết sớm bi thảm vì bệnh cúm ở tuổi hai mươi tám, ba ngày sau, sau cái chết của người vợ đang mang thai của anh ta, và vào thời điểm anh ta đang trên đà thành công về mặt thương mại khiến anh ta lẩn tránh trong phần lớn sự nghiệp của mình.

Egon là một nhân vật chủ chốt trong sự phát triển của Chủ nghĩa Biểu hiện trong hội họa. Anh ấy đã viết một số lượng lớn các bức chân dung tự họa và đã hoàn thành hơn ba nghìn bức vẽ. Tác phẩm của anh thường có nội dung xúc động mãnh liệt bên cạnh việc thẳng thắn khám phá cơ thể con người. Anh đã làm việc cùng với Gustav Klimt và Oskar Kokoschka, những nghệ sĩ Áo quan trọng khác của thời đại.

Sự nghiệp nghệ thuật ngắn ngủi nhưng đầy thành quả của Egon, nội dung khiêu dâm rõ ràng trong tác phẩm của anh và những cáo buộc quấy rối thân mật đã khiến anh trở thành chủ đề của nhiều bộ phim, bài luận và buổi biểu diễn khiêu vũ, và Bảo tàng Leopold ở Vienna có bộ sưu tập lớn nhất các tác phẩm của Schiele: hơn hai trăm vật trưng bày.

4. Marc Chagall

Các tác phẩm của Chagall chứa đựng nhiều di sản Do Thái của ông, thường bao gồm những ký ức về ngôi nhà của ông ở Vitebsk, Belarus, và văn hóa dân gian của ông. Như một quy luật, các nghệ sĩ luôn luôn quay trở lại các chủ đề này. Một số người cho rằng phong cách vẽ của ông sau chiến tranh có phần gò bó, u uất, thậm chí quay ngược thời gian về chủ nghĩa hậu ấn tượng, nhưng, như mọi khi, tác phẩm của ông hoàn toàn độc đáo, được thực hiện theo phong cách riêng không thể bắt chước. Mark đã kết hợp các yếu tố của nhiều trường phái nghệ thuật hiện đại trong suốt sự nghiệp của mình, bao gồm Chủ nghĩa lập thể, Chủ nghĩa Fauvism, Chủ nghĩa tượng trưng, Chủ nghĩa siêu thực, Chủ nghĩa Orphism và Chủ nghĩa vị lai. Tuy nhiên, tác phẩm của ông đã bộc lộ mức độ sâu sắc hơn của âm hưởng, cảm xúc trữ tình thẩm mỹ, âm nhạc và văn hóa, sự hiểu biết sâu sắc, nội tâm về di sản Do Thái.

Năm 1985, Chagall qua đời và được chôn cất tại Pháp. Vào thời điểm ông qua đời, ông đã để lại một số bộ sưu tập phong phú của mình trong nhiều lĩnh vực và phong cách nghệ thuật khác nhau. Tác phẩm của Mark thể hiện sự hiểu biết bậc thầy về màu sắc và sự cộng hưởng cảm xúc sâu sắc, đó có lẽ là lý do mà tác phẩm của ông vẫn được yêu thích cho đến ngày nay.

Đóng góp của ông cho thế giới nghệ thuật thế kỷ 20 là một điều mà rất ít nghệ sĩ có thể khẳng định.

5. Paul Klee

Paul có nhiều tham vọng và duy tâm, nhưng giữ thái độ khiêm tốn và điềm tĩnh. Ông tin vào sự tiến hóa hữu cơ dần dần của các sự kiện thay vì ép buộc thay đổi, và cách tiếp cận công việc có hệ thống của ông đã lặp lại cách tiếp cận có phương pháp này đối với cuộc sống.

Anh ấy chủ yếu là một người soạn thảo (nhân tiện, thuận tay trái). Những bức vẽ của anh ấy, đôi khi rất trẻ con, nhưng lại rất chính xác và có kiểm soát.

Klee là một nhà quan sát nhạy bén về thiên nhiên và các yếu tố tự nhiên, đó là nguồn cảm hứng vô tận cho anh. Ông thường bắt học sinh của mình quan sát và vẽ các cành cây, hệ tuần hoàn của con người và bể cá có cá để nghiên cứu chuyển động của chúng.

Mãi đến năm 1914, khi Paul đến Tunisia, ông mới bắt đầu tìm hiểu và khám phá về màu sắc. Ngoài ra, anh còn được truyền cảm hứng trong các nghiên cứu về màu sắc của mình từ tình bạn với Kandinsky và các tác phẩm của nghệ sĩ người Pháp Robert Delaunay. Paul đã học được từ Delone những gì màu sắc có thể được sử dụng theo cách thuần túy trừu tượng, bất kể vai trò mô tả của nó là gì.

Nghệ sĩ cũng bị ảnh hưởng bởi những người tiền nhiệm của mình như Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc và các thành viên khác của nhóm Blue Rider, những người tin rằng nghệ thuật nên thể hiện tâm linh và siêu hình, chứ không chỉ những gì được nhìn thấy và hữu hình.

Trong suốt cuộc đời của ông, âm nhạc đã có một ảnh hưởng lớn, thể hiện ở nhịp điệu hình ảnh của hình ảnh ông và trong các nốt nhạc staccato của các điểm nhấn màu sắc của ông. Anh ấy đã tạo ra một bức tranh rất giống với cách một nhạc sĩ chơi một bản nhạc, như thể làm cho âm nhạc có thể nhìn thấy được hoặc nghệ thuật thị giác có thể nghe được.

Di sản nghệ thuật của Klee là rất lớn, ngay cả khi nhiều người kế nhiệm ông không công khai trích dẫn tác phẩm của ông như một nguồn gốc hoặc ảnh hưởng rõ ràng. Ngay cả trong cuộc đời của Phao-lô, các nhà siêu thực đã phát hiện ra rằng sự xếp chồng dường như ngẫu nhiên của văn bản, các dấu hiệu trừu tượng và các biểu tượng rút gọn gợi ý cách tâm trí trong trạng thái ngủ kết hợp lại các vật thể hàng ngày khác nhau và do đó mang lại một sự hiểu biết mới về cách thức mà vô thức có sức mạnh đối với thực tế. thức dậy …

Danh tiếng của nghệ sĩ đã tăng lên đáng kể vào những năm 1950, ví dụ, khi những người theo trường phái Biểu hiện Trừu tượng có thể nhìn thấy tác phẩm của ông trong các cuộc triển lãm ở New York. Việc sử dụng các dấu hiệu và biểu tượng của Paul được các nghệ sĩ Trường học New York đặc biệt quan tâm, đặc biệt là những người quan tâm đến thần thoại, vô thức và thuyết nguyên thủy (cũng như nghệ thuật tự giáo dục và nghệ thuật dành cho trẻ em). Bản thân việc Klee sử dụng màu sắc như một phương tiện biểu đạt để thể hiện cảm xúc của con người cũng đã thu hút các nghệ sĩ ưa thích bảng màu phong phú, chẳng hạn như Jules (Jules) Olitzky và Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Franz Marc

Là một nhân vật hàng đầu trong phong trào Chủ nghĩa Biểu hiện Đức, Mark đã giúp xác định lại bản chất của nghệ thuật. Phong trào Biểu hiện được biết đến vì quan tâm đến tâm linh và thuyết nguyên thủy, cũng như việc sử dụng tính trừu tượng của nó. Franz đã kết hợp tình yêu của mình với thần học và động vật vào công việc của mình để tạo ra một tầm nhìn thay thế, tâm linh hơn về thế giới. Anh ấy đã miêu tả thế giới qua con mắt của động vật, điều mà anh ấy sử dụng để làm nổi bật các khía cạnh của hiện đại mà anh ấy nhìn nhận không có lợi. Nhưng các tác phẩm sau này của ông cũng vượt ra khỏi các hình thức biểu diễn thành sự trừu tượng thuần túy, mở đường cho thế hệ nghệ sĩ tiếp theo.

Mặc dù sự nghiệp của ông không lâu, nhưng các hình thức tuyến tính biểu cảm và cách sử dụng màu sắc mang tính biểu tượng của ông đã có ảnh hưởng lâu dài đến thế giới của chủ nghĩa trừu tượng và chủ nghĩa biểu hiện. Tuy nhiên, những nghệ sĩ như Jackson Pollock và Willem de Kooning có thể được gọi là hậu duệ của ông. Những nghệ sĩ này đã được truyền cảm hứng từ khả năng khơi gợi cảm xúc của Mark với sự quan tâm của anh ấy đối với tâm linh và sự nguyên thủy, cũng như cách sử dụng màu sắc rực rỡ của anh ấy. Những người theo trường phái Biểu hiện trừu tượng đã dựa trên những đóng góp của Franz để tạo ra những bức tranh nhấn mạnh các hình thức tổng quát, tối giản hơn, tập trung chủ yếu vào biểu hiện tuyến tính và màu sắc.

Những cách tiếp cận mới này đối với Chủ nghĩa Biểu hiện đã tìm cách làm nổi bật cuộc đấu tranh cá nhân của các nghệ sĩ với những thay đổi diễn ra sau khi Thế chiến thứ hai kết thúc. Các thế hệ sau của trường phái Biểu hiện, chẳng hạn như các họa sĩ trường màu, những người đã đưa chủ nghĩa Biểu hiện đến trạng thái tối giản, đơn giản nhất của nó, có thể được coi là hậu duệ của Mark và những người cùng thời với ông. Thật vậy, Franz Marc, với tư cách là một trong những người sáng lập Chủ nghĩa Biểu hiện Đức, là công cụ định nghĩa chủ nghĩa hiện đại trong thế kỷ 20 và hơn thế nữa.

7. Van Gogh

Có thể thấy những ví dụ minh họa về tầm ảnh hưởng rộng lớn của Van Gogh trong suốt lịch sử nghệ thuật. Fauves và những người theo chủ nghĩa Biểu hiện Đức đã làm việc ngay sau Van Gogh và áp dụng cách sử dụng màu sắc theo chủ quan và tinh thần của ông. Những người theo trường phái Biểu hiện trừu tượng giữa thế kỷ 20 đã sử dụng những nét cọ quét, biểu cảm của Van Gogh để thể hiện trạng thái tâm lý và cảm xúc của nghệ sĩ. Ngay cả những người theo chủ nghĩa tân biểu hiện những năm 1980 như Julian Schnabel và Eric Fischl cũng mắc nợ bảng màu và bút vẽ biểu cảm của Van Gogh.

Trong văn hóa đại chúng, cuộc đời của ông đã truyền cảm hứng cho âm nhạc và nhiều bộ phim, bao gồm cả Lust for Life (1956) của Vincent Minnelli, khám phá mối quan hệ đầy biến động giữa Van Gogh và Gauguin. Trong suốt cuộc đời của mình, Van Gogh đã tạo ra chín trăm bức tranh và thực hiện một nghìn trăm bức vẽ và phác thảo, nhưng trong suốt sự nghiệp của mình, ông chỉ bán được một bức tranh. Người nghệ sĩ không có con riêng, và hầu hết các tác phẩm của ông đều thuộc về anh trai Theo.

Tiếp tục chủ đề về những họa sĩ vĩ đại, hãy đọc thêm về nơi mà nhà siêu thực Joan Miró đang tìm kiếm nguồn cảm hứng, và nhà thơ và nghệ sĩ nào có ảnh hưởng mạnh nhất đến tác phẩm của ông.