Cách những bức tranh nổi tiếng nhất thế giới được tạo ra: Những câu chuyện hấp dẫn về những bức tranh của các nghệ sĩ vĩ đại

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Grigory Landau, một nhà báo và nhà triết học, đã từng nói: “Nghệ thuật là một cuộc đối thoại, trong đó người đối thoại im lặng”. Hội họa là một nghệ thuật tinh tế, ngụ ngôn, giàu cảm xúc, mang lại sự tự do giải thích. Đây là cả một thế giới của những bí mật chưa được giải đáp và những bí ẩn chưa được giải đáp. Chúng ta hãy thử mở ra bức màn bí mật về lịch sử tạo ra những bức tranh nổi tiếng nhất của các nghệ sĩ vĩ đại.

# 1. Thánh George và Rồng, Paolo Uccello, 1470

Trên thực tế, họa sĩ có hai phiên bản của bức tranh này. Trong phiên bản này, George đánh bại con rồng mà Người đẹp đang giữ bằng dây xích. Bức tranh mang ý nghĩa tôn giáo sâu sắc. Theo truyền thuyết, một con rồng đã định cư trong hồ của một thành phố ở Libya. Hoàng đế ngoại đạo ra lệnh hiến tế các cô gái xinh đẹp cho ông ta. Khi không còn thiếu nữ nào trong thành phố, hoàng đế đã gửi con gái riêng của mình cho con rồng. Chiến binh dũng cảm George đã ra tay cứu cô và đánh bại con rồng. Công chúa ở đây tượng trưng cho Giáo hội Cơ đốc bị đàn áp, con rồng - tà giáo, và George - đức tin Cơ đốc. Có những phiên bản mà George, sau này được công nhận là một vị thánh, không chỉ chà đạp tà giáo, mà còn chính ma quỷ, "con rắn cổ đại".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" là một bức chân dung tự họa của nghệ sĩ. Đây là cách anh ấy tiết lộ ý nghĩa công việc của mình: “Màu sắc có ở khắp mọi nơi. Tôi tin rằng màu sắc là cuộc sống. Đầu của chúng ta phải xoay theo hình xoắn ốc để hiểu rằng mọi thứ bao quanh chúng ta không gì khác ngoài màu sắc. Màu sắc là vũ trụ, vũ trụ là cuộc sống, hội họa là cuộc sống”.

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Các chuyên gia cho rằng bức tranh này và một loạt bức tương tự trong tác phẩm của Jerome tượng trưng cho sự hợm hĩnh của "người da trắng". Điều này có thể được nhìn thấy từ động lực của các hình được mô tả trên canvas. Phụ nữ da trắng là đối tượng thống trị, trong khi phụ nữ da đen phải phục tùng.

#4. Garden of Earthly Delights, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch là một trong những nghệ sĩ bí ẩn nhất trên thế giới. Chủ nghĩa biểu tượng trong các bức tranh của ông bị nhầm lẫn đến mức không thể tìm ra một lời giải thích nào cho số lượng khổng lồ các biểu tượng được khắc họa trên chúng. Tác phẩm đặc biệt này được đặt tên từ các nhà phê bình nghệ thuật đã nghiên cứu nó. Tên ban đầu vẫn chưa được biết. Các nhà sử học tin rằng bảng điều khiển bên trái của bộ ba là thiên đường, bảng điều khiển trung tâm là cuộc sống tội lỗi của con người hiện đại và bảng điều khiển bên phải mô tả địa ngục. Nhưng bức tranh đặt ra nhiều câu hỏi hơn là nó trả lời.

# 5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Tác phẩm này hoàn toàn không phải là một bức tranh biếm họa về tệ nạn cờ bạc bẩn thỉu. Nó đúng hơn là một câu chuyện bình tĩnh về điều mà Caravaggio đã biết rõ. Xét cho cùng, bản thân người nghệ sĩ đã tự dẫn dắt cuộc đời mình một cách rất phù phiếm và thậm chí là bạo lực. Cốt truyện tóm tắt để mô tả một màn kịch đang diễn ra - một màn kịch của sự lừa dối và mất đi sự trong trắng. Tuổi trẻ ngây ngô đã được những người thợ mài kinh nghiệm đưa vào tuần hoàn. Người lớn tuổi nhìn vào thẻ của mình và đưa ra dấu hiệu cho một gian lận khác.

# 6. Watson và cá mập, John Singleton Copley, 1778

Hình ảnh cho thấy một trường hợp từ cuộc sống thực. Vào năm 1749, ở Havana, Brooke Watson, một cậu bé 14 tuổi, quyết định ngâm mình trong bồn nước. Một con cá mập đã tấn công anh ta. Thuyền trưởng của con tàu mà cậu bé phục vụ, cố gắng cứu cậu bằng cách giết con cá mập bằng một cây lao. Thuyền trưởng chỉ thành công trong lần thử thứ ba. Watson, trong trận chiến không cân sức này, đã bị hụt chân. Cả cuộc đời của mình sau đó anh ấy bước đi bằng một chiếc chân gỗ. Điều này không ngăn cản ông trở thành thị trưởng London. Đồng thời, anh đã gặp họa sĩ và kể cho anh nghe câu chuyện này. Đó là nguồn cảm hứng cho John Copley.

# 7. Thành phần VIII của Wassily Kandinsky, 1923

Từ thời thơ ấu, Kandinsky đã bị mê hoặc bởi màu sắc. Người nghệ sĩ tin rằng mình có tài sản siêu việt. Kandinsky đã viết các tác phẩm của mình như một nhà soạn nhạc của một bản giao hưởng. Mỗi sáng tác phản ánh tầm nhìn của nghệ sĩ trong khoảng thời gian riêng của nó. Kandinsky đã sử dụng các hình dạng hình học trong các tác phẩm của mình, vì ông tin vào tính chất thần bí của chúng. Màu sắc của các con số phản ánh cảm xúc.

#tám. Sao Thổ nuốt chửng một đứa con trai, Francisco Goya, 1823

Khi về già, Goya bị điếc và sức khỏe của ông nói chung, cả về thể chất và tâm lý, đều giảm sút. Chính vì điều này mà các nhà sử học liên tưởng việc viết của ông là một loạt 14 cuốn, vì chúng được gọi là "Những bức ảnh u ám". Mà anh ấy đã vẽ bên trong trên các bức tường của ngôi nhà của mình. “Sao Thổ ăn tươi nuốt sống con trai” là một trong số đó. Đây là một câu chuyện thần thoại Hy Lạp cổ đại nổi tiếng về người khổng lồ Kronos (sau này người La Mã đổi tên anh ta là Saturn). Cronus được cho biết rằng ông sẽ bị lật đổ bởi chính con trai mình. Và Saturn đã ăn thịt tất cả những đứa con mới sinh của mình. Trong Goya, Saturn được miêu tả là một ông già nửa điên, khủng khiếp, không ăn thịt một đứa trẻ, mà là một đứa trẻ trưởng thành. Có nhiều cách hiểu về ý nghĩa của tấm bạt này. Nhưng điều quan trọng nhất là nghệ sĩ đã không viết nó cho công chúng. Có lẽ bằng cách này, Goya đang cố gắng xua đuổi ma quỷ của chính mình.

#chín. Con nai ở Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

Nghệ sĩ đã miêu tả một khung cảnh phổ biến trong cuộc sống hàng ngày ở New York vào đầu thế kỷ 20. Một câu lạc bộ chiến đấu tư nhân như vậy thường nằm trong các khu dân cư nghèo. Những người ngoài không phải là thành viên của câu lạc bộ được gọi là "nai" ở đó. Họ nhận được tư cách thành viên tạm thời để chiến đấu. Bellows đã vẽ bức tranh theo cách mà khi bạn nhìn vào nó, bạn có ấn tượng rằng bạn là một trong những khán giả của trận chiến.

#mười. Một người bạn đang cần, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"A Friend in Need" là bộ phim nổi tiếng nhất trong loạt phim Dogs Playing Poker của Cassius Marcellus Coolidge. Loạt bài này được Brown & Bigelow ủy quyền cho Coolidge để quảng cáo xì gà. Mặc dù các bức tranh của Coolidge không bao giờ được các nhà phê bình coi là nghệ thuật đích thực, nhưng chúng đã trở thành biểu tượng.

#eleven. The Potato Eaters, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh muốn miêu tả những người nông dân như họ thực sự. Anh muốn thể hiện một cách sống hoàn toàn khác, khác hẳn với giới thượng lưu. Sau đó, anh viết thư cho em gái và nói rằng The Potato Eaters là bức tranh thành công nhất của anh.

# 12. The Raft of Medusa, Theodore Gericault, 1819

Bức tranh canvas "Raft of Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") mô tả hậu quả của sự sụp đổ của tàu khu trục hải quân Pháp "Medusa". Một số người vừa vào thuyền, 147 người còn lại thì một chiếc bè đã được gấp rút đóng. Những chiếc thuyền đang kéo chiếc bè. Nhưng, thuyền trưởng, nhận thấy rằng chiếc bè quá nặng, đã ra lệnh cắt dây thừng. Gần một trăm rưỡi người bị bỏ lại để tự trang trải cuộc sống mà không có thức ăn và nước uống. Trong 13 ngày hành trình trên một chiếc bè, với hy vọng cứu rỗi đầy ma quái, trong số 147 người sống sót. 15. Điên cuồng vì đói và khát, mọi người ăn thịt lẫn nhau và uống máu. Pháp muốn bưng bít câu chuyện đáng xấu hổ này, nhưng nó quá trắng trợn và không thành công.

# 13. Xà lan Haulers trên sông Volga, Ilya Repin, 1873

Tác phẩm này là nổi tiếng nhất của Ilya Repin. Bức tranh đã trở thành một giáo phái. Công việc mà người nghệ sĩ thực hiện rất nghiêm túc. Repin đã đích thân gặp gỡ tất cả những người lái sà lan được mô tả trong bức tranh. Người nghệ sĩ đã viết hàng trăm bức ký họa và dành 5 năm cho tác phẩm này. Cả các sử gia và người đương thời đều coi bức tranh là sự lên án trực tiếp sự lao động khổ sai của các tầng lớp bị áp bức. Mặc dù, Repin luôn phủ nhận ý kiến này.

#mười bốn. Susanna and the Elders, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna and the Elders là một câu chuyện kinh thánh từ Cựu ước. Dưới thời trị vì của Hoàng đế Nebuchadnezzar, dân tộc Do Thái rơi vào vòng nô lệ cho người Babylon. Trong số đó có Susanna với chồng Joachim. Người phụ nữ sở hữu một vẻ đẹp không thể chê vào đâu được và hai người lớn tuổi đều mong muốn cô ấy. Họ đe dọa cô rằng nếu Susanna không tử tế với họ, họ sẽ nói với mọi người rằng cô ngoại tình. Người phụ nữ từ chối, và các trưởng lão tuân theo lời đe dọa của họ. Cô bị kết án tử hình theo luật Do Thái. Nhưng sau đó nhà tiên tri trẻ Đa-ni-ên đã can thiệp. Anh ta nảy ra ý tưởng thẩm vấn những người đàn ông, đầu tiên là riêng lẻ, sau đó là cùng nhau. Các phiên bản của họ không trùng khớp, những lời vu khống bị bại lộ. Susanna được tuyên trắng án, và các trưởng lão bị xử tử. Điều rất đáng chú ý là người nghệ sĩ chỉ mới 17 tuổi khi cô ấy vẽ bức tranh này. Đối với bản thân Artemisia, cô ấy đã trở thành nhà tiên tri, vì sau đó, một câu chuyện tương tự đã xảy ra với cô ấy.

# 15. Phòng khám Gross, Thomas Eakins, 1875

Cốt truyện của bức tranh này dựa trên một ca phẫu thuật do Eakins chứng kiến. Nó được thực hiện bởi một trong những bác sĩ phẫu thuật giỏi nhất ở Mỹ, Tiến sĩ Samuel Gross. Hoạt động được thực hiện trong lớp học trước mặt học sinh nhằm mục đích giảng dạy. Bác sĩ đã chỉ ra cách điều trị nhiễm trùng bằng một cuộc phẫu thuật bảo tồn, thay vì cắt cụt toàn bộ chi (tiêu chuẩn vào thời điểm đó). Bức tranh mô tả thực tế mà không cần tô điểm: cả sự chuyên nghiệp điềm tĩnh của Gross, và nỗi đau khổ của người phụ nữ ở góc dưới bên trái. Các nhà nghiên cứu cho rằng mẹ của bệnh nhân. Các nhà phê bình và người xem đánh giá tác phẩm, trước sự thất vọng của Eakins, cực kỳ tiêu cực. Mọi người bình tĩnh trước những âm mưu của những trận chiến đẫm máu chưa sẵn sàng chiêm nghiệm tính hiện thực của một cuộc phẫu thuật y tế.

# 16. Người lang thang trên biển sương mù, Caspar David Friedrich, 1818

"Người lang thang trên biển sương mù" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") là một bức tranh vẽ nơi người nghệ sĩ vẫn trung thành với phong cách lãng mạn của mình. Trong ảnh, Friedrich mô tả chính mình, đứng một mình quay lưng về phía người xem trên một tảng đá dốc tối. "The Wanderer Above the Sea of Fog" là một ẩn dụ. Đó là về sự tự suy ngẫm, về một tương lai không xác định. Friedrich đã nói về công việc này theo cách này: "Một nghệ sĩ không chỉ phải vẽ những gì ở trước mặt anh ta, mà còn cả những gì anh ta nhìn thấy bên trong chính mình." # 17. Người thu hoạch, Jean-Francois Millet, 1857

Bức tranh Des glaneuses mô tả ba người phụ nữ nông dân đang thu thập những bông hoa còn lại sau khi thu hoạch trên một cánh đồng. Công việc cực nhọc, khiêm tốn của những người nông dân đã gợi lên sự đồng cảm từ người nghệ sĩ. Chính những cảm xúc đó đã được thể hiện trong bức tranh. Nhưng trong xã hội, tác phẩm đã thu hút sự chỉ trích tiêu cực từ các tầng lớp trên. Nước Pháp gần đây đã trải qua một cuộc cách mạng và giới quý tộc nhận thấy bức ảnh này là một lời nhắc nhở khó chịu rằng xã hội Pháp được xây dựng dựa trên sức lao động của các tầng lớp thấp. Và vì lúc đó tầng lớp lao động đông hơn tầng lớp trên, họ sợ rằng bức tranh, bằng cách nào đó, có thể thúc đẩy tầng lớp dưới nổi dậy.

# mười tám. Tiếng thét, Edvard Munch, 1893

The Scream là một trong những kiệt tác bí ẩn nhất của hội họa thế giới. Munch kể rằng anh ấy đã từng đi dạo vào lúc hoàng hôn. Ánh sáng của mặt trời lặn nhuộm những đám mây một màu đỏ như máu. Và Munch đột nhiên nghe thấy, cảm thấy, như anh ấy nói, "tiếng kêu bất tận của thiên nhiên." Một lời giải thích khác có thể là kết quả của trạng thái cảm xúc của Munch, vì em gái của anh ta gần đây đã được gửi đến một nhà thương điên. Bức tranh này đã bị bắt cóc nhiều lần. Cốt truyện có thể được coi là tiên tri: vào cuối thế kỷ 19, Munch đã mô tả những thảm họa của thế kỷ 20.

# 19. Sóng lớn ngoài khơi Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

Thành phần bao gồm ba yếu tố chính: một vùng biển bão tố, ba con thuyền và một ngọn núi. Ngọn núi phủ tuyết trắng là núi Phú Sĩ, được người Nhật coi là linh thiêng. Nó là biểu tượng của bản sắc và vẻ đẹp dân tộc. Những trò chơi như vậy với không gian và màu sắc tươi sáng, khác thường đối với hội họa châu Á. Bức tranh tượng trưng cho sự sợ hãi của một người đối với một yếu tố bất khuất và sự buộc phải phục tùng nó.

#hai mươi. Đêm đầy sao, Vincent Van Gogh, 1889

"Starry Night" là một kiệt tác mà chỉ cần xem một lần, bạn sẽ không bao giờ quên được. Người nghệ sĩ đã vẽ nó khi đang nằm trong bệnh viện dành cho người bệnh tâm thần. Những dòng xoáy này, những ngôi sao khổng lồ … Một số người tin rằng Van Gogh đã mô tả một khung cảnh từ cửa sổ. Nhưng người ốm không được ra đường, thậm chí còn bị cấm vào phường làm việc. Anh trai của Vincent đã yêu cầu ban giám đốc bệnh viện cho anh một phòng để anh có thể viết. Các nhà nghiên cứu tin rằng Van Gogh đã mô tả trong bức tranh của mình một hiện tượng như sự hỗn loạn - dòng xoáy từ nước và không khí. Điều này không thể được nhìn thấy, nhưng nhận thức cao của người nghệ sĩ đã giúp anh ta nhìn thấy những gì bị che giấu từ đôi mắt của những người phàm tục. 10 kiệt tác bị mất tích và mới được tìm thấy của các bậc thầy vĩ đại. Dựa trên vật liệu