Làm thế nào các bức tranh của các nghệ sĩ nổi tiếng trở thành một phần của thời trang, định hình một phong cách mới của thế kỷ XX

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Mối liên hệ giữa nghệ thuật và thời trang xác định những khoảnh khắc cụ thể trong lịch sử. Cả hai phương tiện này đều phản ánh những thay đổi xã hội, kinh tế và chính trị từ những năm hai mươi sôi động đến những năm tám mươi sôi động. Dưới đây là bốn ví dụ về các nghệ sĩ và nhà thiết kế thời trang, thông qua công việc của họ, đã giúp hình thành một quan điểm mới về nghệ thuật và thời trang thế kỷ 20.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Tình bạn giữa Roy Halston và Andy Warhol đã định nghĩa thế giới nghệ thuật. Cả Roy và Andy đều là những nhà lãnh đạo mở đường cho việc đưa nghệ sĩ / nhà thiết kế trở thành người nổi tiếng. Họ xóa bỏ sự kỳ thị kiêu căng trong thế giới nghệ thuật và mang thời trang và phong cách đến với đại chúng. Warhol đã sử dụng phương pháp in lụa nhiều lần để tạo ra các hình ảnh. Mặc dù chắc chắn ông không phát minh ra quy trình này, nhưng ông đã tạo ra một cuộc cách mạng với ý tưởng sản xuất hàng loạt.

Roy sử dụng các loại vải và hoa văn đơn giản, thanh lịch nhưng vẫn quyến rũ với việc sử dụng sequins, ultras và lụa. Ông là một trong những người đầu tiên làm cho thời trang Mỹ trở nên dễ tiếp cận và đáng mơ ước. Cả hai đều để lại dấu ấn cuối cùng về nghệ thuật và phong cách trong suốt những năm 1960, 70 và 80, kéo dài cho đến ngày nay.

Cả Roy và Andy đã làm việc cùng nhau trong nhiều dự án khác nhau. Warhol đã tạo ra các chiến dịch quảng cáo giới thiệu quần áo của Halston và thậm chí là của chính Halston. Đổi lại, Halston đã sử dụng họa tiết in hoa Warhol trong một số bộ sưu tập quần áo của mình, từ trang phục dạ hội đến bộ thư giãn.

Roy đã sử dụng những họa tiết đơn giản trong quần áo của mình, điều này đã làm nên thành công của chúng. Chúng rất thoải mái khi mặc, nhưng cũng có một chút gì đó sang trọng nhờ chất liệu vải, màu sắc và hình in. Warhol cũng đơn giản hóa vật liệu và quy trình của mình. Điều này giúp việc tái tạo tác phẩm của anh ấy trở nên dễ dàng hơn và khiến chúng có thể bán được nhiều hơn.

Thành công thương mại đã có những thách thức riêng cho cả hai nghệ sĩ. Halston là người đầu tiên hợp tác với chuỗi bán lẻ JCPenney vào năm 1982 và điều này đã ảnh hưởng đến chất lượng thương hiệu của ông. Warhol cũng vấp phải nhiều lời chỉ trích vì công việc của ông bị cho là hời hợt. Tuy nhiên, cả hai đều đã hiện đại hóa việc sử dụng bán lẻ và tiếp thị trong các không gian tương ứng của họ để tạo ra các thương hiệu cho việc bán hàng trên thị trường đại chúng.

Roy và Andy là những vị khách thường xuyên đến Studio 54. Họ tổ chức các bữa tiệc, thiết kế và sản xuất các tác phẩm cho những người nổi tiếng như Liza Minnelli, Bianca Jagger và Elizabeth Taylor. Tất cả những điều này được phản ánh trong công việc của họ khi họ truyền cảm hứng và xác định kỷ nguyên disco của những năm 1970.

Halston được biết đến với việc tạo ra trang phục dạ hội lấp lánh. Roy đặt sequins theo chiều ngang của vải, tạo ra hiệu ứng lấp lánh của chất liệu mà ông sử dụng để tạo ra những bộ trang phục sang trọng được nhiều quý cô quyến rũ yêu thích.

Dòng giày Warhol Diamond Dust Shoe cũng minh họa cuộc sống về đêm của Studio 54 và những người nổi tiếng sống ở đó. Bụi kim cương được ông sử dụng trên giấy nến hoặc tranh, tạo thêm yếu tố chiều sâu cho tác phẩm. Và đôi giày của anh ấy ban đầu là ý tưởng cho chiến dịch quảng cáo của Halston. Dù thế nào đi nữa, hai người này đã đóng góp rất lớn cho thời trang, để lại dấu ấn khó phai mờ. Thật vậy, ngay cả ngày nay, nhiều nhà thiết kế hiện đại đã lấy cảm hứng từ ý tưởng của Andy và Roy, tạo ra những bộ sưu tập lộng lẫy mang âm hưởng của quá khứ.

2. Sonia Delaunay: Khi nghệ thuật trở thành thời trang

Sonia Delaunay không chỉ cách mạng hóa một hình thức Lập thể mới, mà còn giới thiệu mối liên hệ giữa nghệ thuật và thời trang. Cả Delaunay và chồng cô đều là những người tiên phong trong thuyết Orphism và đã thử nghiệm nhiều hình thức trừu tượng khác nhau trong nghệ thuật. Cô là người đầu tiên sử dụng phong cách nghệ thuật của riêng mình và bước vào thế giới thời trang bằng cách sử dụng các thiết kế, bản in hoặc mẫu dệt nguyên bản của cô. Cô được nhớ đến vì nghệ thuật và mối quan hệ với chồng hơn là thời trang. Phong cách của bà đóng một vai trò quan trọng trong những năm 1920, và danh mục quần áo của bà được nhớ đến nhiều hơn với các bức ảnh và tài liệu tham khảo về nghệ thuật của bà hơn là bản thân quần áo. Đối với Sonya, không có và không có biên giới giữa nghệ thuật và thời trang. Đối với cô ấy, chúng là một và giống nhau.

Cô bắt đầu kinh doanh thời trang của mình vào những năm 1920, tạo ra quần áo cho khách hàng và thiết kế vải cho các nhà sản xuất. Sonya gọi nhãn hiệu của mình là Đồng thời và còn đi xa hơn với việc sử dụng màu sắc và hoa văn trên nhiều đối tượng khác nhau. Tính đồng thời đóng một vai trò quan trọng trong công việc của cô, và kỹ thuật khác thường của cô gợi nhớ đến một chiếc chăn bông chắp vá hoặc hàng dệt từ Đông Âu: màu sắc được xếp chồng lên nhau và các hoa văn được sử dụng để tạo ra sự hài hòa và nhịp nhàng. Các chủ đề phổ biến của cô bao gồm hình vuông / hình chữ nhật, hình tam giác và đường chéo hoặc hình cầu - tất cả đều trùng lặp trong các thiết kế khác nhau của cô.

Delaunay là một phụ nữ trẻ trong thời đại Edward, khi áo nịt ngực và sự phù hợp là chuẩn mực. Điều này đã thay đổi vào những năm 1920 khi phụ nữ bắt đầu mặc váy dài trên đầu gối và quần áo rộng rãi, vừa vặn. Có thể thấy khía cạnh này trong các thiết kế của Delaunay và cô ấy đã đam mê tạo ra những bộ quần áo phù hợp với nhu cầu của phụ nữ. Sonya đã phát triển đồ bơi cho phép phụ nữ cảm thấy thoải mái hơn, ngay cả khi chơi thể thao và bơi lội. Cô ấy đặt các hình in của mình lên áo khoác, giày dép, mũ và thậm chí cả ô tô, sử dụng bất kỳ bề mặt nào làm canvas. Các thiết kế của cô ấy tạo ra sự tự do di chuyển và biểu đạt thông qua màu sắc và hình dáng.

Trong suốt sự nghiệp của mình, cô không ngừng thử sức mình trong những lĩnh vực mới, và kết quả là cô chuyển sang điện ảnh và sân khấu. Sonia thiết kế trang phục cho bộ phim The Little Parisian của Rene Le Somptier, trong khi chồng cô thiết kế cho bộ phim. Cô thích những hình dạng hình học, khéo léo kết hợp và trộn chúng với nhau, tạo ra những họa tiết kỳ quái và những đường nét đứt đoạn đã trở thành dấu ấn của cô.

3. Sự hợp tác giữa Elsa Schiaparelli và Salvador Dali

Tiên phong của nghệ thuật siêu thực được kết hợp với sự dẫn đầu của thời trang siêu thực. Salvador Dali và nhà thiết kế thời trang Elsa Schiaparelli đã hợp tác và truyền cảm hứng cho nhau trong suốt sự nghiệp của họ. Họ đã tạo ra những ngoại hình mang tính biểu tượng như Váy Tôm Hùm, Mũ Giày và Váy Xé gây sốc và truyền cảm hứng cho khán giả trong cả nghệ thuật và thời trang. Dali và Schiaparelli đã mở đường cho sự hợp tác trong tương lai giữa các nhà thiết kế thời trang và nghệ sĩ, thu hẹp khoảng cách giữa những gì được coi là nghệ thuật đeo và thời trang. Dali sử dụng tôm hùm như một chủ đề lặp đi lặp lại trong tác phẩm của mình và quan tâm đến giải phẫu của chúng.

Dress "Omar" là tác phẩm chung của Elsa và Dali, và tạo hình của họ đã gây ra rất nhiều tranh cãi không chỉ trong ngày ra mắt mà còn cả sau đó. Đầu tiên, nó có một vạt áo tuyệt đối và một chiếc váy organza màu trắng. Bộ trang phục khác thường đã làm nổ tung thế giới thời trang theo đúng nghĩa đen, gây ra rất nhiều tranh cãi về điểm số này. Việc sử dụng vải trắng cũng tương phản với màu đỏ của tôm hùm. Màu trắng có thể được coi là trinh nữ hoặc tượng trưng cho sự tinh khiết so với màu đỏ, có thể có nghĩa là sự thoải mái, quyền lực hoặc nguy hiểm.

Bộ xương là một chủ đề khác được tìm thấy trong nghệ thuật siêu thực và đã được sử dụng trong nhiều lần hợp tác hơn giữa Dali và Schiaparelli. Chiếc váy Skeleton là chiếc váy đầu tiên thuộc loại này. Elsa đã sử dụng một kỹ thuật có tên là trapunto, trong đó hai lớp vải được khâu lại với nhau, tạo ra một đường viền nơi các quả bóng được chèn vào, do đó tạo ra hiệu ứng nổi lên. Kỹ thuật này tạo ra một bề mặt kết cấu trên nền vải phẳng, tạo ảo giác rằng xương người nhô ra qua chiếc váy. Điều này đã gây ra một vụ lùm xùm vì chiếc váy được làm từ chất liệu co giãn, bó sát vào da thịt. Những tưởng tượng về các bức tranh và bản vẽ của Dali được thể hiện trong thế giới không có thực của những bộ trang phục của Schiaparelli, cho đến ngày nay vẫn tạo nên ấn tượng khó phai mờ đối với cả người xem và các nhà thiết kế.

4. Yves Saint Laurent: Cuộc đụng độ của nghệ thuật và cảm hứng

Ranh giới giữa bắt chước và đánh giá cao ở đâu? Các nhà phê bình, khán giả, nghệ sĩ và nhà thiết kế đã phải vật lộn để xác định vị trí của dòng sản phẩm này. Tuy nhiên, khi đến với Yves Saint Laurent, ý định của anh không gì khác hơn là tâng bốc và ngưỡng mộ những nghệ sĩ và bức tranh mà anh lấy làm nguồn cảm hứng. Nhìn vào danh mục đầu tư rộng lớn của mình, Saint Laurent đã lấy cảm hứng từ các nền văn hóa và nghệ thuật từ khắp nơi trên thế giới, mà ông đã kết hợp thành công vào trang phục của mình.

Mặc dù Yves chưa bao giờ gặp những nghệ sĩ đã truyền cảm hứng cho mình, nhưng điều đó không ngăn cản anh tạo ra các tác phẩm nghệ thuật như một biểu hiện của sự tôn trọng dành cho họ. Laurent đã lấy cảm hứng từ các nghệ sĩ như Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque và Picasso. Ông là một nhà sưu tập nghệ thuật và đã sưu tập các bức tranh của Picasso và Matisse, mà ông treo trong nhà của mình.

Yves đã lấy một số họa tiết nghệ thuật và biến chúng thành những bộ quần áo tuyệt đẹp để bày tỏ lòng kính trọng đối với một số nghệ sĩ yêu thích của mình. Những năm 1960 là thời kỳ của cuộc cách mạng và chủ nghĩa thương mại, một kỷ nguyên mới của thời trang và nghệ thuật. Các dự án của Saint Laurent đã đạt được thành công về mặt thương mại khi ông bắt đầu lấy cảm hứng từ nghệ thuật đại chúng và trừu tượng. Năm 1965, ông đã tạo ra 26 chiếc váy lấy cảm hứng từ những bức tranh trừu tượng của Piet Mondrian. Những chiếc váy thể hiện việc Mondrian sử dụng các hình dáng đơn giản và màu cơ bản đậm. Yves đã sử dụng một kỹ thuật mà không có đường may nào được nhìn thấy giữa các lớp vải, tạo cảm giác rằng quần áo là một mảnh. Saint Laurent lấy nghệ thuật của Mondrian từ những năm 1920 và làm cho nó có thể đeo được tương đối với những năm 1960.

Váy thời trang là ví dụ kinh điển của phong cách những năm 1960. Chúng tương tự như quần áo của những năm 1920 ít bị bó buộc hơn và có tay áo và đường viền để lộ những mảng da lớn. Những chiếc giày bóng vuông của Saint Laurent khiến phái đẹp cảm thấy nhẹ nhàng và tự do. Điều này cũng dẫn anh đến cảm hứng từ các nghệ sĩ pop art như Tom Wesselman và Andy Warhol. Anh ấy đã tạo ra một dòng thiết kế lấy cảm hứng từ nghệ thuật đại chúng với hình bóng và đường cắt trên quần áo của mình. Đó là về việc khắc phục những hạn chế của tính trừu tượng trong nghệ thuật và thương mại hóa thiết kế. Laurent đã kết hợp hai ý tưởng này lại với nhau để tạo ra những bộ quần áo dành cho phụ nữ tự do và cuốn hút cho những quý cô hiện đại.

Áo khoác Vincent Van Gogh của Saint Laurent là một ví dụ về cách Yves kết hợp cảm hứng nghệ sĩ với tài năng thiết kế của chính mình. Giống như các sản phẩm may mặc khác của ông, các chủ đề liên quan đến nghệ sĩ không được sao chép và dán lên quần áo của Saint Laurent. Thay vào đó, anh chọn sử dụng chúng như một nguồn cảm hứng và tạo ra những tác phẩm phản ánh phong cách của riêng mình. Chiếc áo khoác là một ví dụ về phong cách của những năm 80, được thêu hoa hướng dương theo phong cách đẹp như tranh vẽ của Van Gogh.

Laurent đã hợp tác với Maison Lesage, công ty hàng đầu trong lĩnh vực thêu thời trang cao cấp. Áo khoác "Hoa hướng dương" được thêu bằng hạt hình ống. Những bông hoa lấp lánh với nhiều sắc thái khác nhau của màu cam và màu vàng. Điều này tạo ra một kết cấu đa chiều tương tự như kỹ thuật sử dụng sơn dày lên canvas của Van Gogh. Nó được ước tính là một trong những món đồ thời trang cao cấp đắt nhất từng được sản xuất và bán tại Christie's với giá gần bốn trăm nghìn euro. Saint Laurent đã mở đường cho việc mặc quần áo như một tác phẩm nghệ thuật của chính nó, bất kể thời trang và khoảng thời gian.

Tiếp tục chủ đề, đọc thêm về điều gì đã dẫn dắt Saeko Yamaguchi đến thành công, khiến cô ấy trở thành một trong những người yêu mến nhất của Kenzo và Yamamoto.