10 bức tranh của các họa sĩ hiện thực nổi tiếng biến ý tưởng về cái đẹp

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Từ chối sự nhấn mạnh quá mức vào cảm xúc, thứ vốn có trong chủ nghĩa lãng mạn, và sự tôn vinh quá khứ một cách nhiệt tình, những người theo chủ nghĩa hiện thực, dẫn đầu bởi Gustave Courbet và Jean-François Millet, bắt đầu vẽ không chỉ những người bình thường, mà còn cả những khoảnh khắc khác nhau với độ chính xác đáng kinh ngạc.. Và mặc dù thực tế là hầu hết các bức tranh hiện thực được biết đến hiện nay thường bị chỉ trích, gây ra tranh cãi do thực tế là chúng được cho là thể hiện những tình huống mà nhiều nghệ sĩ đã cố gắng tránh trong tác phẩm của họ, coi chúng là không phù hợp, tuy nhiên, nhiều người đã tìm cách chinh phục thế giới, có chỗ đứng vững chắc trong lịch sử của thế giới nghệ thuật.

1. Rosa Bonneur

Rosa Bonneur được mệnh danh là một trong những nghệ sĩ nổi tiếng nhất thế kỷ 19, người trở nên nổi tiếng khắp thế giới nhờ những tác phẩm miêu tả động vật. Nhưng thành công to lớn chỉ đến với cô khi cả thế giới nhìn thấy tác phẩm tuyệt vời của cô mang tên "Hội chợ ngựa", ghi lại thị trường cưỡi ngựa, diễn ra trên đại lộ L'Hôpital ở Paris. Và cho dù nghe có vẻ buồn cười đến mức nào, để truyền tải mọi thứ cô nhìn thấy một cách chính xác nhất có thể, người phụ nữ đã đến quảng trường gần như mỗi ngày trong một tiếng rưỡi để thực hiện một số bản phác thảo, điều này sau đó đã hình thành cơ sở cho bức tranh của cô.

Năm 1853, buổi trưng bày tranh đầu tiên của bà diễn ra tại Paris Salon, sau đó tác phẩm đã đi khắp thế giới, chinh phục không chỉ cư dân châu Âu mà còn cả châu Mỹ. Và không có gì ngạc nhiên khi ngay cả nữ hoàng Anh một thời cũng đánh giá rất cao tác phẩm này và đúng với giá trị đích thực của nó, và Bảo tàng Metropolitan thậm chí còn gọi "Hội chợ ngựa" là tác phẩm nổi tiếng và đáng chú ý nhất.

2. Ilya Repin

Ilya Repin nổi tiếng với tác phẩm như "Những người lái xà lan trên sông Volga", được ông viết với ấn tượng khi thư giãn trên sông vào năm 1870. Công việc này là một sự pha trộn kỳ lạ giữa sức người, sự phân tầng xã hội và tất cả những khó khăn mà người dân thường phải đối mặt. Anh ấy đã bắt được mười một công nhân không mệt mỏi kéo chiếc sà lan dọc theo sông Volga, đại diện cho một tổng thể duy nhất, có thể gọi là khoảnh khắc không bị gián đoạn một cách an toàn. Và không có gì ngạc nhiên khi chính bức ảnh này đã nhận được sự công nhận của quốc tế vì đã truyền tải một cách chính xác và đáng tin cậy nhất những thăng trầm mà những người bình thường, hậu duệ của tầng lớp lao động, phải đối mặt.

Một thành công quy mô và khổng lồ như vậy đã trở thành một động lực tử tế, rất dễ chịu và không thất bại đối với sự khởi đầu sự nghiệp của người nghệ sĩ, khiến anh ta trở thành một bậc thầy thực sự, có thể ghi lại sự bất bình đẳng xã hội khét tiếng. Cuối cùng, Hoàng tử Vladimir Alexandrovich đã trở thành chủ sở hữu của bức tranh, với sự giúp đỡ của người mà bức tranh đã được triển lãm trên lãnh thổ lúc đó là châu Âu, trở thành biểu tượng của chủ nghĩa hiện thực Nga thời bấy giờ.

3. Thomas Eakins

Thomas Eakins là nhà hiện thực Mỹ chính, người nổi bật so với đám đông các bậc thầy khác ở chỗ trong các tác phẩm của mình, ông đã khéo léo khắc họa bản chất con người và cá tính của mỗi mô hình, làm cho đây trở thành điểm nhấn chính. Có lẽ bức tranh được thầy yêu thích nhất là tác phẩm mang tên "Phòng khám Gross", vẽ một bác sĩ phẫu thuật xuất sắc đến từ Hoa Kỳ - Samuel D. Gross. Trong ảnh, anh thực hiện một ca phẫu thuật phức tạp, trong đó anh cắt bỏ phần xương bị tổn thương ở vùng đùi. Được ca ngợi bởi chủ nghĩa hiện thực không khoan nhượng, The Gross Clinic được nhiều nhà phê bình coi là bức tranh hiện thực đẹp nhất trong lịch sử nghệ thuật Hoa Kỳ. Nó được ca ngợi là lịch sử vĩ đại của y học thế kỷ 19 và được coi là một bức chân dung chi tiết và chân thực đến khó tin của nước Mỹ.

4. Jean-Francois Millet

Jean-François Millet là một trong những nhân vật tiêu biểu nhất trong lĩnh vực hiện thực Pháp. Và ông cũng sẵn sàng xếp ngang hàng với Gustave Courbet, vì ông, giống như người khổng lồ về hội họa này, đã trở nên nổi tiếng khắp thế giới với những bức tranh có hình ảnh của những người dân làng bình thường. Tác phẩm của ông, có tựa đề "Angelus," là tác phẩm cuối cùng nhưng nổi tiếng nhất của tác giả, tác phẩm tiêu biểu cho lòng sùng kính Công giáo và cầu nguyện. Cô ấy hiển thị hình ảnh của hai người nông dân cúi đầu trước Angelus vào cuối ngày để cảm ơn anh ấy.

Điều đáng chú ý là ở khu vực phía chân trời có thể nhìn thấy rõ nhà thờ, và rất có thể, chính tiếng chuông nhà thờ đã báo động người đàn ông và phụ nữ sắp kết thúc ngày làm việc, để sau khi kết thúc ngày làm việc của họ. làm việc, họ sẽ nói một lời cầu nguyện. Ban đầu, bức tranh có cái tên rất nguyên bản là "Cầu nguyện cho một cánh đồng khoai tây", bởi vì bản phác thảo được mô tả cho thấy mọi thứ diễn ra đang diễn ra ở Barbizon, Pháp, trên một trong những cánh đồng khoai tây.

5. Gustave Courbet

Chúng ta có thể nói gì, và Gustave Courbet vẫn được gọi là bậc thầy xuất sắc của chủ nghĩa hiện thực Pháp, người truyền cảm hứng và nhà hoạt động chính của ông. Vào thời điểm ông quyết định tạo ra bức tranh gây tranh cãi nhất của mình "Nguồn gốc của thế giới", động cơ khiêu dâm và cơ thể người trần chỉ được phép xuất hiện trong các tác phẩm mang động cơ thần thoại hoặc cổ tích. Do đó, không có gì ngạc nhiên khi cách tiếp cận hiện thực của Courbet chỉ đơn giản là làm đảo lộn thế giới nghệ thuật, thay đổi ý tưởng về những gì là đúng đắn và hiện đại.

Người nghệ sĩ mô tả chi tiết và chính xác một người phụ nữ khỏa thân và bộ phận sinh dục của cô ấy, có thể nhìn thấy rõ ràng, vì tư thế dang rộng hai chân của cô ấy cho phép bạn nhìn thấy mọi thứ bằng mắt của mình. Bức tranh này vẫn có khả năng gây sốc ngay cả người xem hiện đại bởi sự thẳng thắn của nó, tuy nhiên, tác phẩm này vẫn tạo ra tranh cãi, dẫn đến việc bị kiểm duyệt và cấm trong nhiều trường hợp.

6. Andrew Wyeth

“Thế giới của Christina” là bức tranh của một họa sĩ hàng đầu của Mỹ thời bấy giờ, là một trong những tác phẩm tiêu biểu và nổi tiếng của Mỹ trong thế kỷ trước. Cô ấy mô tả một người phụ nữ đang nằm trên cánh đồng. Người phụ nữ đang nhìn vào ngôi nhà màu xám ở phía chân trời. Nhân vật chính của tác phẩm này không phải là một nhân vật hư cấu, mà là một người có thật, người đã truyền cảm hứng cho nghệ sĩ viết ra nó. Anna Christina Olson là hàng xóm của nghệ sĩ bị chứng rối loạn thoái hóa cơ khiến cô không thể đi lại bình thường. Một ngày nọ, đứng bên cửa sổ, Andrew nhìn thấy cô ấy đang bò hết sức mình trên khắp cánh đồng. Chính khoảnh khắc này đã thôi thúc anh tạo ra "Thế giới của Christina". Ngay cả khi bức tranh đầu tiên được trưng bày không được quan tâm đúng mức, nhưng dần dần, theo thời gian, nó bắt đầu ngày càng trở nên phổ biến hơn, trở thành một biểu tượng thực sự của phong cách Mỹ.

7. Jean-Francois Millet

Ngoài bức "Angelus" huyền thoại, Millet còn có ba bức tranh nổi bật khác miêu tả những con người bình thường, khiêm tốn. "Tai của ngô" là tác phẩm nổi tiếng nhất trong tất cả các tác phẩm của thiên tài này. Chính tác phẩm này đã ảnh hưởng đến tác phẩm của các nghệ sĩ khác sống và làm việc sau Millet, chẳng hạn như Van Gogh, Renoir, Seur, Pissarro. Cô miêu tả ba người phụ nữ nông dân lang thang trên cánh đồng, nhặt những trái tai bèo sau vụ mùa.

Trong tác phẩm của mình, Millet đã khắc họa tầng lớp thấp hơn của xã hội nông thôn bằng một phong cách ảm đạm, đầy thương cảm, qua đó gây ra sự chỉ trích gay gắt từ các quý tộc Pháp và các thành viên của xã hội thượng lưu trong lần đầu tiên trình diễn bức tranh. Ngoài ra, sự phẫn nộ của công chúng là do kích thước phi tiêu chuẩn của canvas là 33 x 44 inch, thường được sử dụng cho các bức tranh có động cơ thần thoại và tôn giáo.

8. Gustave Courbet

Bức tranh "Burial at Ornans" đã gây tiếng vang lớn, gây ra một luồng cảm xúc lớn và những lời bàn tán trong đông đảo công chúng vào năm 1850-51. Nó mô tả đám tang của người chú cố của nghệ sĩ, được tổ chức tại khu định cư nhỏ Ornand ở Pháp. Gustave đã khắc họa chân thực đáng kinh ngạc những công dân đến và tham dự lễ an táng. Nhưng không phải điều này gây ra sự bất bình của người xem, mà thực tế là bức tranh có kích thước khổng lồ (10 x 22 feet) đối với một bức tranh thuộc loại này, bởi vì định dạng như vậy chỉ dành riêng cho những cảnh anh hùng và tôn giáo trong bức tranh lịch sử.

Bên cạnh tất cả những điều này, sự phẫn nộ xoay quanh thực tế là đám rước được miêu tả mà không có bất kỳ động cơ tình cảm và cảm xúc nào, từ đó gây rúng động thế giới mỹ thuật. Bất chấp mọi thứ, trải qua những lời chỉ trích và đàm tiếu, tác phẩm này trở thành tác phẩm chính, nhờ đó khán giả ngừng đánh giá cao xu hướng lãng mạn, trở nên quan tâm đến một cách tiếp cận mới, thực tế hơn và quan trọng hơn đối với sự sáng tạo, điều đã trở thành một bước ngoặt ở Pháp trong Thế kỷ 19.

9. Edward Hopper

Một người như Edward Hopper trở nên nổi tiếng do trong các tác phẩm của mình, anh ấy đã bộc lộ sự đơn độc của cuộc sống, buộc mọi người nhìn vào bức tranh phải bật trí tưởng tượng để hoàn thành câu chuyện nghệ thuật. Bức tranh này được lấy cảm hứng từ những ký ức về một nhà hàng trên Đại lộ Greenwich. Trong đó, họa sĩ vẽ cảnh những người ngồi trong một quán ăn ở trung tâm thành phố vào đêm khuya. Trước sự ngạc nhiên của họ, cốt truyện này đã được nhiều người giải thích như một minh họa cho những hậu quả khủng khiếp của Thế chiến thứ hai, cũng như mô tả sự cô lập hoàn toàn của một cá nhân giữa sự nhộn nhịp của New York.

10. Edouard Manet

Edouard Manet là một người được gọi trong xã hội nghệ sĩ không hơn gì một người theo trường phái ấn tượng, nhưng bản thân ông lại tự gọi mình là một người theo chủ nghĩa hiện thực thực sự. Điều này được chứng minh qua một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của ông, đó là bức tranh "Olympia", vẽ một người phụ nữ khỏa thân nằm trên chiếc giường sang trọng, đi cùng với một cô hầu gái. Năm 1865, tác phẩm này được đưa ra trưng bày trước công chúng, gây ra sự phẫn nộ không chỉ của một bộ phận công chúng mà còn cả các nhà phê bình. Không, không phải vì một cô gái khỏa thân bị bắt trên người cô ấy, mà vì một số chi tiết rõ ràng cho thấy rằng cô ấy đã nhầm lẫn, đó là: một bông hoa lan trang điểm trên mái tóc của cô ấy, một chiếc vòng đeo trên tay, bông tai ngọc trai và một chiếc khăn choàng mỏng kiểu phương Đông mà cô ấy nói dối.

Ngoài ra, trong bức tranh còn có một con mèo đen, lúc bấy giờ được coi là biểu tượng truyền thống của mại dâm. Đặc điểm chính của bức tranh này, theo các nhà phê bình thế giới, hoàn toàn không phải là nó được lấy cảm hứng từ hình ảnh "Thần Vệ nữ" của Urbino, mà chính xác là bức tranh này không mô tả một người phụ nữ lộng lẫy, không phải một nữ thần, và thậm chí không phải là quý tộc, nhưng người nhất cũng không phải là gái điếm thượng hạng. Khía cạnh quan trọng của bức tranh là cái nhìn đối đầu của người phụ nữ này, mà nhiều người hiểu không khác gì đỉnh cao của sự bất tuân với tộc trưởng.

Cũng đọc về những gì nó thực sự là, mà đã được ngưỡng mộ và ngưỡng mộ trong nhiều thế kỷ.