9 kiệt tác của các nghệ sĩ lỗi lạc, những người đã truyền cảm hứng cho các nhà thiết kế thời trang vĩ đại và tạo ra những bộ sưu tập độc đáo

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Trong suốt lịch sử, thời trang và nghệ thuật đã song hành cùng nhau để tạo nên một sự kết hợp tuyệt vời. Nhiều nhà thiết kế thời trang đã vay mượn ý tưởng từ các phong trào nghệ thuật cho bộ sưu tập của họ, điều này đã cho phép thời trang được hiểu là một loại hình nghệ thuật chủ yếu phục vụ cho việc thể hiện ý tưởng và tầm nhìn. Bị ảnh hưởng bởi điều này, một số nhà thiết kế thời trang nổi tiếng quốc tế đã tạo ra những bộ sưu tập nổi bật dựa trên những chuyển động nghệ thuật của thế kỷ 20.

1. Madeleine Vionne

Sinh ra ở miền trung nước Pháp vào năm 1876, Bà Madeleine Vionne được mệnh danh là "nữ thần của phong cách và nữ hoàng của nghề may". Trong thời gian ở Rome, cô đã bị cuốn hút bởi nghệ thuật và văn hóa của nền văn minh Hy Lạp và La Mã, và được truyền cảm hứng từ các nữ thần và tượng cổ đại. Dựa trên những tác phẩm nghệ thuật này, cô đã định hình tính thẩm mỹ cho phong cách của mình và kết hợp các yếu tố điêu khắc và kiến trúc Hy Lạp để mang đến một chiều hướng mới cho cơ thể phụ nữ. Với kỹ năng xếp nếp và váy xéo của mình, Madeleine đã tạo ra một cuộc cách mạng trong thời trang hiện đại. Cô thường tham khảo các tác phẩm nghệ thuật như Chiến thắng có cánh của Samothrace cho các bộ sưu tập nghệ thuật của mình.

Điểm tương đồng giữa kiệt tác nghệ thuật Hy Lạp hóa và nàng thơ của Vionne rất nổi bật. Việc xếp nếp sâu của vải theo phong cách chiton của Hy Lạp tạo ra những vệt sáng thẳng đứng chảy xuống hình người. Tác phẩm điêu khắc được tạo ra để tỏ lòng tôn kính với Nike, nữ thần chiến thắng của Hy Lạp, và được ngưỡng mộ vì mô tả chuyển động chân thực của nó. Phần xếp nếp của thiết kế Vionnet gợi nhớ đến sự chuyển động của lớp vải cuộn dính trên cơ thể của Nike. Áo dài có thể giống như sinh vật sống có linh hồn, như thể xác. Giống như Chiến thắng có cánh của Samothrace, Madeleine đã tạo ra những chiếc váy đánh thức bản chất con người ẩn sâu bên trong. Chủ nghĩa cổ điển, cả triết lý thẩm mỹ và triết lý thiết kế, đã cho Vionne cơ hội truyền tải tầm nhìn của mình trong sự hài hòa hình học.

Cô cũng bị cuốn hút bởi các trào lưu nghệ thuật đương đại như Lập thể. Madeleine bắt đầu kết hợp các hình dạng hình học vào các sáng tạo của mình và áp dụng một phương pháp cắt chúng khác được gọi là cắt vát. Tất nhiên, Vionne chưa bao giờ tuyên bố đã phát minh ra đường cắt xiên mà chỉ mở rộng công dụng của nó. Khi phụ nữ đạt được nhiều tiến bộ trong cuộc đấu tranh cho quyền của họ vào đầu thế kỷ 20, Madeleine đã bảo vệ quyền tự do của họ bằng cách loại bỏ chiếc áo nịt ngực lâu đời của thời Victoria khỏi trang phục hàng ngày của phụ nữ. Do đó, cô ấy trở thành biểu tượng của sự giải phóng phụ nữ khỏi sự bó buộc của chiếc áo ngực và thay vào đó đã cho ra đời những loại vải mới nhẹ nhàng hơn theo đúng nghĩa đen trên cơ thể phụ nữ.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli là nhà thiết kế chính của Valentino và rất bị thu hút bởi các công trình tôn giáo của thời Trung cổ. Điểm khởi đầu của nguồn cảm hứng cho ông là thời khắc chuyển giao từ thời Trung cổ sang thời kỳ Phục hưng phương Bắc. Anh ấy đã hợp tác với Zandra Rhodes và họ cùng nhau phát triển một bộ sưu tập đầy cảm hứng vào mùa xuân năm 2017. Piccioli muốn kết nối văn hóa punk cuối những năm 70 với chủ nghĩa nhân văn và nghệ thuật thời trung cổ, vì vậy ông đã trở về cội nguồn và thời kỳ Phục hưng, tìm cảm hứng trong bức tranh Khu vườn thú vui trần gian của Hieronymus Bosch.

Họa sĩ nổi tiếng người Hà Lan là một trong những đại diện tiêu biểu nhất của thời kỳ Phục hưng phương Bắc vào thế kỷ 16. Trong "Khu vườn của những thú vui trần gian", mà Bosch đã vẽ trước cuộc Cải cách, nghệ sĩ muốn mô tả Thiên đường và sự sáng tạo của loài người, sự cám dỗ đầu tiên của Adam và Eve, cũng như Địa ngục, dự đoán tội nhân. Trong khung trung tâm, mọi người dường như đang thỏa mãn cơn thèm muốn của mình trong một thế giới vui vẻ. Biểu tượng của Bosch nổi bật với sự độc đáo và gợi cảm. Toàn bộ bức tranh được hiểu như một câu chuyện ngụ ngôn về tội lỗi.

Trong thế giới thời trang, bức tranh đã trở nên phổ biến khi các nhà thiết kế thời trang khác nhau bị mê hoặc bởi động cơ của nó. Pha trộn giữa thời đại và thẩm mỹ, Piccioli đã diễn giải lại các biểu tượng của Bosch bằng những chiếc váy bay xuyên thấu, trong khi Rhodes tạo ra những bản in và hoa văn thêu lãng mạn hơi giống với tác phẩm nghệ thuật gốc. Màu sắc chắc chắn là một phần của thông điệp mà các nhà thiết kế muốn truyền tải. Như vậy, bộ sưu tập áo dài bay bổng mộng mơ dựa trên bảng màu miền Bắc gồm xanh táo, hồng nhạt và xanh trứng cá.

3. Dolce và Gabbana

Peter Paul Rubens đã vẽ những người phụ nữ bằng tình yêu, sự học hỏi và siêng năng một cách tuyệt vời. Ông đã giới thiệu "Venus trước gương" của mình như là biểu tượng tối cao của sắc đẹp. Peter chỉ khắc họa gương mặt sáng và mái tóc vàng của cô, tương phản với cô hầu gái da ngăm. Chiếc gương là một biểu tượng tuyệt đối của sắc đẹp, nó đóng khung một người phụ nữ như một bức chân dung, đồng thời nhấn mạnh một cách tinh tế sự trần trụi của người đó. Chiếc gương mà thần Cupid giữ cho nữ thần cho thấy sự phản chiếu của thần Vệ Nữ như một đại diện của sự hấp dẫn và ham muốn gợi tình. Rubens, một trong những người sáng lập nghệ thuật Baroque, và khái niệm "màu sắc trên đường nét" của ông đã ảnh hưởng đến một số nhà thiết kế thời trang, bao gồm cả Dolce & Gabbana. Phong cách Baroque đã đi chệch khỏi tinh thần của thời kỳ Phục hưng, từ bỏ sự thanh thoát và bóng bẩy mà thay vào đó là sự sang trọng, sôi động và chuyển động.

Các nhà thiết kế thời trang Domenico Dolce và Stefano Gabbana muốn tạo ra một chiến dịch tôn vinh vẻ đẹp gợi cảm cũng như lãng mạn của phụ nữ. Peter Paul Rubens là nguồn cảm hứng thích hợp nhất. Những sáng tạo của bộ đôi đình đám đã hòa hợp tuyệt vời với nghệ thuật của nghệ nhân Flemish. Trong bộ sưu tập này, các người mẫu đã tạo dáng vô cùng quý phái, trông như thể họ vừa bước ra khỏi một trong những bức tranh của Rubens. Các đồ trang trí được thiết kế giống gương baroque và các chi tiết thêu. Sự duyên dáng của các dáng người và bảng màu pastel được người đẹp nhấn mạnh vào chiếc váy hồng gấm. Sự lựa chọn của các nhà thiết kế thời trang để đưa vào một loạt các mô hình đã góp phần thêm vào kiểu cơ thể của thời đại đó. Những đường cong tròn trịa mà Dolce và Gabbana sử dụng đã phản ánh sự phân biệt đối xử giữa các loại cơ thể khác nhau trong ngành thời trang.

Bộ sưu tập Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 giới thiệu nhiều nét đặc trưng của kiến trúc Baroque Ý. Bộ sưu tập này hoàn toàn phù hợp với những đặc điểm trang trí phong phú của phong cách Baroque Sicilia. Các nhà thiết kế tập trung vào kiến trúc Baroque, như đã thấy trong các nhà thờ Công giáo ở Sicily. Điểm tham chiếu là bức tranh "Chân dung Anna người Áo" của Rubens. Trong bức chân dung hoàng gia của mình, Anna của Áo được miêu tả theo phong cách thời trang Tây Ban Nha. Chiếc váy đen của Anna được trang trí bằng những đường sọc dọc thêu màu xanh lá cây và các chi tiết vàng. Những chiếc váy và mũ lưỡi trai được thiết kế đầy nghệ thuật được làm từ chất liệu dệt sang trọng như ren và gấm đã trở thành đặc điểm chính của show diễn Dolce and Gabbana, những người đã chinh phục thế giới bằng sự sáng tạo của mình.

4. Cristobal Balenciaga

Có thể gọi Cristobal Balenciaga là bậc thầy thực sự đã cải cách thời trang nữ thế kỷ XX. Sinh ra tại một ngôi làng nhỏ ở Tây Ban Nha, ông đã mang tinh hoa của lịch sử nghệ thuật Tây Ban Nha vào các dự án đương đại của mình. Trong suốt sự nghiệp của mình, Balenciaga rất ấn tượng về thời kỳ Phục hưng của Tây Ban Nha. Ông thường tìm kiếm nguồn cảm hứng từ hoàng gia Tây Ban Nha và các thành viên của giới tăng lữ. Nhà thiết kế thời trang đã biến những món đồ trong nhà thờ và áo choàng tu viện của thời đại này thành những kiệt tác thời trang có thể mặc được.

Một trong những nguồn cảm hứng lớn của ông là nhà tạo mẫu El Greco, còn được gọi là Dominikos Theotokopoulos. Nhìn vào Hồng y El Greco Fernando Niño de Guevara, bạn có thể thấy những điểm tương đồng giữa áo choàng của hồng y và thiết kế của Balenciaga. Bức tranh mô tả vị hồng y người Tây Ban Nha Fernando Niño de Guevara thời El Greco ở Toledo. Ý tưởng của El Greco được vay mượn từ chủ nghĩa tân sinh của thời Phục hưng Ý, và trong bức chân dung này, ông giới thiệu vị hồng y như một biểu tượng của ân sủng của Chúa. Phong thái hiện diện trong toàn bộ bức tranh. Điều này dễ nhận thấy ở một dáng người thon dài với cái đầu nhỏ, tứ chi duyên dáng nhưng kỳ dị, màu sắc rực rỡ và bác bỏ các biện pháp và tỷ lệ cổ điển.

Niềm đam mê của Balenciaga đối với trang phục lịch sử được thể hiện rõ qua chiếc áo khoác dạ cực kỳ lộng lẫy từ bộ sưu tập năm 1954 của ông. Ông có tầm nhìn và khả năng phát minh ra các hình dạng trong thời trang hiện đại. Phần cổ áo phóng đại của chiếc áo khoác này lặp lại kiểu dáng rộng thùng thình của áo choàng hồng y. Màu đỏ trên quần áo của vị hồng y tượng trưng cho máu và sự sẵn sàng chết vì đức tin của ngài. Màu đỏ rực rỡ được nhà thiết kế nổi tiếng coi là đặc biệt, vì ông thường ưa chuộng sự kết hợp màu đậm và màu sắc rực rỡ. Sự đổi mới tuyệt vời của ông là loại bỏ vòng eo và giới thiệu các đường xếp ly, đường cắt đơn giản và tay áo ba phần tư. Bằng cách làm này, Balenciaga đã tạo ra một cuộc cách mạng trong thời trang nữ.

Nhà thiết kế cũng giới thiệu các tay áo dài đến vòng tay cho phép phụ nữ trưng bày đồ trang sức của họ. Vào những năm 1960, với việc dần dần giới thiệu phụ nữ vào ngành công nghiệp, Balenciaga đã nảy ra ý tưởng mang lại sự thoải mái, tự do và tiện dụng cho những người phụ nữ mà ông mặc. Anh ấy lăng xê những chiếc váy rộng rãi, thoải mái, tương phản với những bộ đồ bó sát hình thể trong ngày.

5. Alexander McQueen

Nghệ sĩ người Áo, bậc thầy về chủ nghĩa biểu tượng và là người sáng lập phong trào ly khai ở Vienna, Gustav Klimt là người đặt nền móng cho lịch sử nghệ thuật thế kỷ 20. Những bức tranh và óc thẩm mỹ nghệ thuật của ông từ lâu đã truyền cảm hứng cho các nhà thiết kế thời trang. Những người khác như Aquilano Rimondi, L'Rene Scott và Christian Dior, nhà thiết kế trực tiếp giới thiệu Klimt là Alexander McQueen. Trong bộ sưu tập Resort Xuân / Hè 2013, anh đã thiết kế những mảnh ghép độc đáo dường như được lấy cảm hứng từ tác phẩm của nghệ sĩ. Nhìn vào một chiếc váy đen bồng bềnh với họa tiết vàng lặp lại ở trên - bạn có thể nghĩ đến một hình ảnh cụ thể. McQueen đã sử dụng các thiết kế trừu tượng, hình học và khảm với tông màu đồng và vàng, kết hợp chúng vào các thiết kế của mình.

Năm 1905, Gustav Klimt vẽ bức tranh "The Embrace", mô tả một cặp đôi đang ôm hôn nhẹ nhàng, bức tranh đã trở thành biểu tượng của tình yêu. Nghệ sĩ người Áo được biết đến với những bức tranh bằng vàng, cũng như sự kết hợp hoàn hảo giữa tính trừu tượng và màu sắc hiện diện trong các tác phẩm này. Tất cả các bức tranh ghép có tông màu vàng phong phú với hình vạn hoa hoặc trang trí tự nhiên đã có ảnh hưởng lớn đến thời trang. Bức tranh này gây ấn tượng bởi những khối hình học tương phản giữa trang phục của hai người yêu nhau. Trang phục của nam giới bao gồm các ô vuông màu đen, trắng và xám, trong khi trang phục của phụ nữ được trang trí bằng các hình tròn bầu dục và các họa tiết hoa. Do đó, Klimt đã minh họa một cách tuyệt vời sự khác biệt giữa nam tính và nữ tính. Alexander đã áp dụng một cái gì đó tương tự cho quần áo của mình.

6. Christian Dior

Người sáng lập trường phái Ấn tượng và là một trong những họa sĩ Pháp vĩ đại nhất trong lịch sử nghệ thuật, Claude Monet đã để lại cho đời một di sản nghệ thuật tuyệt vời. Sử dụng ngôi nhà và khu vườn của mình tại Giverny để lấy cảm hứng, Monet đã chụp phong cảnh thiên nhiên trong các bức tranh của mình. Đặc biệt, trong bức tranh "Khu vườn của nghệ sĩ ở Giverny", anh đã vận dụng được phong cảnh thiên nhiên phù hợp với nhu cầu của mình. Sự tương phản của vệt đất nâu so với màu sắc rực rỡ của những bông hoa bổ sung cho khung cảnh. Người theo trường phái Ấn tượng nổi tiếng thường chọn hoa diên vĩ vì màu tím của nó để tạo hiệu ứng mặt trời rực rỡ. Bức tranh này tràn đầy sức sống như những bông hoa nở rộ chào đón mùa xuân. Những cánh hoa hồng và tử đinh hương, hoa diên vĩ và hoa nhài là một phần của thiên đường đầy màu sắc được miêu tả trên nền vải trắng.

Cũng như vậy, Christian Dior, nhà tiên phong của thời trang Pháp, đã để lại một dấu ấn to lớn trong thế giới thời trang mà ngày nay vẫn còn cảm nhận được. Năm 1949, ông thiết kế một bộ sưu tập thời trang cao cấp cho mùa xuân / hè. Một trong những điểm nổi bật của triển lãm lần này là chiếc váy mang tính biểu tượng của Dior, được thêu hoàn toàn bằng những cánh hoa với nhiều sắc độ hồng và tím khác nhau. Dior đã minh họa một cách hoàn hảo hai thế giới nghệ thuật và thời trang và bắt chước thẩm mỹ của Monet trong chiếc váy tiện dụng này. Ông đã dành nhiều thời gian ở nông thôn, vẽ các bộ sưu tập của mình trong khu vườn của ông ở Granville, như Monet đã làm. Do đó, ông đã xác định phong cách Dior thanh lịch bằng cách kết hợp bảng màu và họa tiết hoa văn của Monet vào các sáng tạo của mình.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian là một trong những nghệ sĩ đầu tiên sáng tạo ra nghệ thuật trừu tượng trong thế kỷ 20. Sinh ra tại Hà Lan vào năm 1872, ông đã thành lập cả một phong trào nghệ thuật có tên De Stijl. Mục tiêu của phong trào là hợp nhất nghệ thuật đương đại và cuộc sống. Phong cách này, còn được gọi là chủ nghĩa tân sinh, là một hình thức nghệ thuật trừu tượng, trong đó chỉ sử dụng các nguyên tắc hình học và các màu cơ bản như đỏ, xanh lam và vàng được kết hợp với các màu trung tính (đen, xám và trắng). Phong cách sáng tạo của Pete vào đầu những năm 1900 đã buộc các nhà thiết kế thời trang phải tái tạo loại hình nghệ thuật trừu tượng thuần túy này. Ví dụ điển hình nhất của phong cách vẽ tranh này là Bố cục với các màu Đỏ, Xanh và Vàng.

Một người yêu nghệ thuật, nhà thiết kế thời trang người Pháp Yves Saint Laurent đã kết hợp các bức tranh của Mondrian vào các sáng tạo thời trang cao cấp của mình. Lần đầu tiên ông lấy cảm hứng từ tác phẩm của Pete khi đọc một cuốn sách về cuộc đời nghệ sĩ mà mẹ ông tặng ông nhân dịp Giáng sinh. Lấy cảm hứng từ những đường nét hình học và màu sắc đậm của nghệ sĩ, ông đã trình làng sáu chiếc váy dạ tiệc tôn vinh phong cách biểu tượng của mình và thời đại sáu mươi nói chung. Mỗi chiếc váy của Mondrian có đôi chút khác biệt, nhưng tất cả đều có chung kiểu dáng chữ A đơn giản và không tay có chiều dài đến đầu gối, hoàn hảo cho mọi dáng người.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, sinh năm 1890 trong một gia đình quý tộc ở Rome, đã sớm bày tỏ tình yêu với thế giới thời trang. Cô bắt đầu phát triển phong cách cách mạng của mình, lấy cảm hứng từ chủ nghĩa vị lai, chủ nghĩa dada và chủ nghĩa siêu thực. Khi sự nghiệp của cô thăng tiến, cô đã tiếp xúc với những người theo chủ nghĩa siêu thực và người theo chủ nghĩa Dadai nổi tiếng như Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp và Jean Cocteau. Cô thậm chí còn hợp tác với nghệ sĩ người Tây Ban Nha Salvador Dali.

Một trong những sự hợp tác vĩ đại nhất trong lịch sử thời trang là sự hợp tác giữa Dali và Elsa Schiaparelli. Chiếc váy này được tạo ra với Salvador Dali như một phần của bộ sưu tập xiếc của Schiaparelli vào mùa hè năm 1938. Chiếc váy ám chỉ bức tranh của Dali, trong đó ông vẽ những người phụ nữ có tỷ lệ cơ thể méo mó.

Đối với các nghệ sĩ theo trường phái siêu thực, việc tìm kiếm người phụ nữ lý tưởng chắc chắn sẽ thất bại, vì lý tưởng chỉ tồn tại trong trí tưởng tượng của họ, không có trong thực tế. Tuy nhiên, Dali không có ý định miêu tả phụ nữ một cách chân thực, vì vậy cơ thể của họ không có chút thẩm mỹ nào. Schiaparelli muốn thử nghiệm trò chơi che giấu và để lộ cơ thể này, tạo ra ảo giác về sự tổn thương và bất an. Chiếc váy với ảo giác về những giọt nước mắt được làm từ lụa tơ tằm màu xanh nhạt, nhằm tri ân Salvador và những người phụ nữ không cân đối của anh ta.

9. Gianni Versace

Kỷ nguyên Pop Art có lẽ là thời kỳ có ảnh hưởng nhất đối với các nhà thiết kế thời trang và nghệ sĩ trong lịch sử nghệ thuật. Andy Warhol đã đi tiên phong trong sự pha trộn giữa văn hóa đại chúng và thời trang cao cấp, biến ông trở thành một biểu tượng tiêu biểu của phong trào nghệ thuật đại chúng. Vào những năm sáu mươi, Warhol bắt đầu thực hành kỹ thuật chữ ký của mình được gọi là kỹ thuật in lụa.

Một trong những tác phẩm đầu tiên và chắc chắn là nổi tiếng nhất của ông là Marilyn Diptych. Đối với tác phẩm này, anh ấy đã lấy cảm hứng không chỉ từ văn hóa đại chúng, mà còn từ lịch sử nghệ thuật và các nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện trừu tượng. Andy đã nắm bắt được hai thế giới của Marilyn Monroe, cuộc sống xã hội của một ngôi sao Hollywood, và hiện thực bi thảm của Norma Jeane, một phụ nữ phải vật lộn với chứng trầm cảm và nghiện ngập. Lưỡi dao tăng cường độ rung ở bên trái, trong khi ở bên phải nó biến mất vào bóng tối và mờ mịt. Trong nỗ lực đại diện cho một xã hội tiêu dùng và chủ nghĩa vật chất, ông đã miêu tả các cá nhân như một sản phẩm hơn là con người.

Nhà thiết kế người Ý Gianni Versace đã có một tình bạn lâu dài với Andy Warhol. Cả hai người đàn ông đều bị mê hoặc bởi văn hóa đại chúng. Để tôn vinh Warhol, Versace đã dành tặng bộ sưu tập Xuân / Hè năm 1991 cho ông. Một trong những chiếc váy có in hình Warhol với Marilyn Monroe. Ông đã lồng ghép những bức chân dung lụa rực rỡ của Marilyn và James Dean từ những năm 1960 vào váy và đầm maxi.

Và để tiếp tục chủ đề về thời trang, vẻ đẹp và những ý tưởng phi thường, hãy đọc thêm về cách các nghệ sĩ hiện đại đã biến trang điểm thành một tác phẩm nghệ thuật thực sự.