7 kiệt tác của Hermitage đáng xem vào năm 2020

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Từ lâu, các nhà khoa học đã chứng minh nghệ thuật có tác dụng hữu ích đối với sức khỏe con người bằng cách giảm mức độ lo lắng và căng thẳng trong cơ thể. Điều này đặc biệt đúng đối với mỹ thuật và việc chiêm ngưỡng cái đẹp. Vì vậy, để năm 2020 luôn tràn ngập trạng thái cơ thể và tinh thần thuận lợi, bạn nên đến thăm Hermitage và xem những buổi triển lãm nổi tiếng nhất của bảo tàng.

"Apostles Peter and Paul" của El Greco

El Greco là một trong những nghệ sĩ sáng giá nhất và nguyên bản nhất. Theo nguồn gốc Hy Lạp, ông học hội họa ở Ý trong xưởng của Titian vĩ đại. Ông đã học kỹ thuật dầu từ thần tượng của mình và cũng được truyền cảm hứng từ các kỹ thuật nghệ thuật của Chủ nghĩa đàn ông Ý. El Greco nổi bật trong số các đồng nghiệp của mình vì sự độc đáo của phong cách thể hiện đáng kinh ngạc. Trong các bức chân dung của mình, ông rất chú trọng đến việc khắc họa tâm lý nhân vật. Trong bức tranh từ Hermitage này, nghệ sĩ đại diện cho hai loại người khác nhau. Bên trái là Sứ đồ Phi-e-rơ, người đã ba lần phủ nhận sự hiện hữu của Đấng Christ. Khuôn mặt của anh ấy thể hiện nỗi buồn và sự không chắc chắn, trong khi cử chỉ của anh ấy nhuốm màu ăn năn và cầu xin. Sứ đồ Phao-lô, như bạn biết, ban đầu là một người nhiệt thành bắt bớ các tín đồ đạo Đấng Ki-tô, trong bức ảnh cho thấy sự nhiệt thành về thiêng liêng trong việc khẳng định sự thật. Những cử chỉ tay tạo thành trung tâm sáng tác của tác phẩm thể hiện cuộc đối thoại gắn kết hai sứ đồ.

Peter tóc bạc, quấn một chiếc áo choàng vàng, nghiêng đầu sang một bên. Trong tay trái, anh ta cầm biểu tượng của mình - chìa khóa dẫn đến Vương quốc Thiên đàng. Pavel ấn mạnh tay trái vào âm lượng đang mở trên bàn, tay phải giơ lên làm động tác làm rõ khi nhìn thẳng vào người xem. Thánh Peter và Thánh Paul xuất hiện nhiều lần trong tác phẩm của El Greco, và họ được miêu tả với sự nhất quán ấn tượng. Người nghệ sĩ luôn thể hiện Petra với mái tóc và bộ râu bạc, và anh thường mặc một chiếc áo choàng màu vàng bên ngoài một chiếc áo dài màu xanh lam. Paul luôn luôn hơi hói, với mái tóc sẫm màu và bộ râu quai nón, trong chiếc áo choàng màu đỏ bên ngoài bộ quần áo màu xanh lam hoặc xanh lá cây.

"Penitent Mary Magdalene" của Titian

The Penitent Mary Magdalene là một bức chân dung của Thánh Mary Magdalene Titian từ khoảng năm 1531, với chữ ký 'TITIANUS' trên bình bên trái. Theo cốt truyện, đây là một người phụ nữ có quá khứ phóng đãng, theo Phúc Âm (Lu-ca 7, 36-50), đã đến nhà ông Simon người Pha-ri-si để xin Chúa Giê-su tha thứ. Đó là một hình tượng nữ tính được Titian khắc họa bằng những nét vẽ dày, tập trung và tông màu ấm. Bảng màu làm nổi bật đôi mắt đáng kinh ngạc đẫm nước mắt pha lê. Mái tóc vàng đồng bao phủ con số được viết một cách đáng kinh ngạc. Chủ đề về Mary Magdalene ăn năn, ngước mắt lên trời đã trở nên phổ biến ở Ý vào thế kỷ 16 trong giới quý tộc, các nhà lãnh đạo tôn giáo và tầng lớp trung lưu giàu có. Việc thiếu quần áo tượng trưng cho việc Mađalêna từ chối trang sức, vàng bạc và những sở thích trần tục vì đức tin nơi Đấng Christ. Ngoài ra, mái tóc vàng và vóc dáng tổng thể của Mađalêna đáp ứng các tiêu chuẩn của vẻ đẹp thời Phục hưng.

"Madonna Litta" của Leonardo da Vinci

Bức tranh được đặt tên từ một gia đình quý tộc Milanese, trong bộ sưu tập của họ, bức tranh được tìm thấy trong hầu hết thế kỷ 19. Năm 1865, Sa hoàng Nga Alexander II đã mua tấm bạt cho Hermitage, nơi nó được trưng bày cho đến ngày nay. Tác phẩm này mô tả Madonna cho con bú Chúa Hài đồng. Lưu ý rằng không có bóng mờ trong hình ảnh này. Một số bức tranh sơn dầu của Leonardo cũng thể hiện đặc điểm này. Các nhân vật được đặt trong một nội thất tối với hai lỗ mở hình vòm cho tầm nhìn ra phong cảnh miền núi. Một chi tiết thú vị: chính giữa bức tranh, bên tay trái của Chúa Kitô, có một con chim vàng anh, là biểu tượng cho cuộc khổ nạn của Chúa Kitô.

Cảm giác về niềm vui làm mẹ trong bức tranh "Madonna Litta" được miêu tả đặc biệt thú vị nhờ sự phong phú của hình ảnh Đức Mẹ Maria - ở đây nó đã tìm thấy sự thể hiện trưởng thành vẻ đẹp nữ tính của Leonardo. Khuôn mặt xinh đẹp dịu dàng của Madonna mang đến nét thần thái đặc biệt với đôi mắt khép hờ và nụ cười nhẹ. Bố cục của bức tranh nổi bật ở sự rõ ràng và hoàn hảo. Madonna and Child là một mô típ phổ biến trong nghệ thuật Cơ đốc giáo trong thời Trung cổ và tiếp tục sang thời kỳ Phục hưng.

"Người chơi đàn luýt" Caravaggio

Bức tranh được ủy quyền bởi Hồng y Francesco del Monte, người đã bảo trợ cho nghệ sĩ. Caravaggio đã miêu tả một chàng trai trẻ bị mê hoặc bởi âm nhạc: ánh mắt đầy cảm hứng, những ngón tay bấu víu vào dây đàn. Hình ảnh một chàng trai mặc áo sơ mi trắng nổi bật trên nền tối. Ánh sáng bên khắc nghiệt và bóng đổ xuống cung cấp cho các đối tượng một khối lượng và trọng lượng gần như có thể nhận thấy được. Những đồ vật được đặt trong bức tranh minh chứng cho tình yêu lớn lao của người nghệ sĩ đối với thế giới xung quanh, mong muốn tái hiện chân thực thiên nhiên, truyền tải chất lượng vật chất đến từng chi tiết. Trên cuốn sổ nằm trước mặt người anh hùng với cây đàn luýt, ghi chú mở đầu của bản nhạc Madrigal nổi tiếng vào thế kỷ 16 "You know that I love you" được viết.

Tình yêu như chủ đề của tác phẩm này cũng được chỉ ra bởi các đối tượng khác. Ví dụ, cây đàn bị nứt là một ẩn dụ cho tình yêu không thành. Vào buổi bình minh của sự sáng tạo, Caravaggio thường mang đến cho những người trẻ tuổi những nét nữ tính, tuy nhiên, đây là nét đặc trưng của nghệ thuật Ý vào cuối thế kỷ 16. Điều thú vị là nhạc sĩ trong bức tranh từ Hermitage thường bị nhầm là một cô gái, và tác phẩm được gọi là "The Lute Player".

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Một trong những tác phẩm hay nhất của nghệ sĩ - "The Lady in Blue" - được tạo ra bởi Gainsborough trong thời kỳ đỉnh cao của năng lực sáng tạo của ông. Hình ảnh một thiếu nữ trong chiếc váy hở vai bằng vải trắng trong suốt nhẹ nhàng nổi bật trên nền tối. Mái tóc bồng bềnh của cô được tạo kiểu thành một kiểu tóc kỳ quặc. Những lọn tóc lớn buông xuống trên bờ vai dốc. Nét tươi tắn trên gương mặt trẻ trung được nhấn nhá bằng đôi môi khép hờ và đôi mắt đen hình quả hạnh. Với một cử động nhẹ của tay phải, cô ấy giữ chiếc khăn lụa màu xanh lam. Các tông màu xám, hơi xanh, hơi hồng và trắng ở đây và ở đó được tăng cường với các nét sáng, và giúp truyền tải sự sang trọng và vẻ đẹp của mô hình.

Sự táo bạo trong kỹ thuật tạo hình của Gainsborough đã làm kinh ngạc những người cùng thời với ông. Vì vậy, Reynolds đã ghi nhận "những điểm và đặc điểm kỳ lạ" trong các bức tranh của Gainsborough, "có vẻ như là kết quả của sự tình cờ hơn là một ý định có ý thức." Chính truyền thống phi học thuật này là một trong những thành tựu lớn nhất của Gainsborough. "The Lady in Blue" vào Hermitage năm 1916 từ bộ sưu tập của A. 3. Khitrovo theo ý muốn.

Sự trở lại của Đứa con hoang đàng của Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Kiệt tác nghệ thuật Kinh thánh này một lần nữa khẳng định vị thế của Rembrandt là một trong những họa sĩ xuất sắc nhất mọi thời đại và là người vĩ đại nhất trong số các Lão sư trong việc miêu tả các cảnh trong Kinh thánh. Bức tranh Sự trở lại của Đứa con hoang đàng, được họa sĩ hoàn thành vào những năm cuối đời, mô tả một cảnh trong dụ ngôn Lu-ca 15: 11–32. Theo nhà phê bình nghệ thuật xuất sắc Kenneth Clarke, bức tranh canvas là một trong những bức tranh vĩ đại nhất mọi thời đại. Theo cốt truyện, người cha, giống như tộc trưởng, đặt tay lên vai một hối nhân cạo râu và mặc quần áo sờn rách. Mắt anh gần như nhắm nghiền. Hành động tha thứ trở thành một phước lành của một bí tích gần như bí tích.

Đây là một bức tranh mang tính tâm linh cao cả, thoát khỏi mọi khía cạnh mang tính giai thoại, trong đó mọi chuyển động và hành động đều đi vào bế tắc. Khung cảnh chìm vào bóng tối, giống như một đường hầm, từ đó khuôn mặt của người cha và người con trai lớn của ông ấy tỏa sáng. Áo choàng đỏ của họ làm cho bóng tối này bừng sáng. Rembrandt đã nhiều lần vẽ về chủ đề đứa con hoang đàng, nhưng trong phiên bản sơn dầu hoành tráng này, ông cảm thấy hứng thú nhất và - nhờ sự tương phản giữa đứa con trai cả và đứa con trai (hoang đàng) - công thức khó nhất về mặt tâm lý.

"Dance" của Henri Matisse

"Dance" là một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của Henri Matisse - một bài ca ngợi về cuộc sống, niềm vui, sự khước từ thể xác và là biểu tượng của nghệ thuật đương đại. Tác phẩm được nhà sưu tập có ảnh hưởng người Nga Sergei Shchukin ủy nhiệm vào năm 1909 để trang trí cho dinh thự của mình. Được đặc trưng bởi sự đơn giản và năng lượng của nó, quả cầu nghệ thuật này đã để lại một dấu ấn không thể phai mờ trong nghệ thuật của thế kỷ 20. Điệu múa được viết ở đỉnh cao của thẩm mỹ Fauvist và thể hiện sự giải phóng các truyền thống nghệ thuật phương Tây truyền thống. Sự lựa chọn thẩm mỹ của Henri Matisse cho bức tranh này đã gây ra một vụ bê bối thực sự trong các tiệm nghệ thuật vào năm 1910. Hình ảnh khoả thân táo bạo và sắc thái thô bạo đã tạo cho bức tranh một nhân vật phi thường vào thời điểm đó, mà trong mắt một số người xem có vẻ man rợ.

Matisse chỉ sử dụng ba màu sắc để mô tả điệu nhảy này: xanh lam, xanh lá cây và đỏ. Để phù hợp với các liên kết màu Fauvist truyền thống, ba sắc thái này tạo ra sự tương phản mạnh mẽ. Tuy nhiên, bàn thắng của Matisse không khiến khán giả bàng hoàng. Trái lại, ông tìm cách gắn kết mọi người với nhau và với thiên nhiên. Như nghệ sĩ đã nói, "Những gì tôi mơ ước là nghệ thuật cân bằng, sạch sẽ và bình tĩnh, có thể tránh được rắc rối hoặc thất vọng."