Ai là người thực sự tạo ra "Nhà tư tưởng" hay "Người biết ơn": Ý nghĩa đích thực của các tác phẩm nghệ thuật nổi tiếng

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Bất cứ ai cũng có thể dễ dàng nhận thấy rằng chủ đề đau buồn rất được các nghệ sĩ yêu thích. Và thường những người hiện đại thậm chí không biết về lịch sử nguồn gốc của một số bức tranh hoặc tác phẩm điêu khắc và ý nghĩa thực sự của chúng.

"Chân dung Venice Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Dường như thiếu nữ đang ngủ yên. Tuy nhiên, khi họa sĩ người Flemish Anthony van Dyck vào năm 1633 cố gắng truyền tải trên vải tất cả vẻ đẹp quý phái của Venice Stanley, Lady Digby, ông thực sự đang vẽ một bức chân dung … của một xác chết hai ngày tuổi nằm trên giường bệnh.

Quá đau buồn khi phát hiện ra vợ mình đột ngột qua đời vào ban đêm, ở tuổi 33, chồng của Venice, Sir Kenelm Digby, đã yêu cầu Van Dyck, họa sĩ triều đình của Vua Charles I, vẽ người vợ đã khuất của ông trước "các bác sĩ phẫu thuật và nhân viên điều tra. đã đến."

Anthony van Dyck viết Venice, Lady Digby trên giường bệnh năm 1633 - hai ngày sau khi người phụ nữ chết trong giấc ngủ

Van Dijk bắt đầu làm việc, bỏ qua những thay đổi khủng khiếp xảy ra với cơ thể con người sau khi chết. Trên chiếc cổ trắng ngần, quyến rũ của Venice, anh vẽ một chiếc vòng cổ bằng ngọc trai, và trên mép tờ giấy anh rải những cánh hoa hồng. Digby tin rằng bức tranh của Van Dyck, hiện đang được trưng bày trong Phòng trưng bày Nghệ thuật Dulwich ở London, là thành tựu sáng tạo của nghệ sĩ. Theo ông, "bông hồng" này có vẻ "tàn lụi" ngay từ cái nhìn đầu tiên và được cho là tượng trưng cho cái chết của vợ ông.

Mặc dù đã gần 4 trăm năm trôi qua, vẫn có tin đồn rằng Digby, người không chỉ là cận thần và nhà ngoại giao, mà còn là một nhà phát minh và nhà giả kim, đã tự mình gây ra cái chết cho vợ mình. Một số người nói rằng ông đã cho Venice một hỗn hợp máu viper để uống, với hy vọng sẽ giữ được vẻ đẹp của nó. Những người khác tin rằng anh ta đã giết cô ấy vì ghen tuông - sau cùng, anh ta được cho là đã từng nói về sự phô trương khét tiếng của Venice rằng "một người đàn ông khôn ngoan và mạnh mẽ có thể khiến một người phụ nữ lương thiện ngay cả từ một nhân viên nhà thổ." Điều thú vị là mặc dù khám nghiệm tử thi đã được tiến hành nhưng kết quả của nó vẫn chưa được bảo toàn.

Tuy nhiên, Digby thấy mình bị tàn phá bởi cái chết của Venice. Anh ấy đã viết cho anh trai của mình rằng bức chân dung sau khi di cảo của Van Dyck “là người bạn đồng hành duy nhất mà tôi có bây giờ. Anh ấy đứng cả ngày trước bàn ghế của tôi … và cả đêm bên giường. Khi ánh trăng mờ nhạt rơi xuống anh ấy, đối với tôi, dường như tôi thực sự nhìn thấy cô ấy đã chết."

Nói cách khác, theo bức thư của Digby, bức tranh sơn dầu nhỏ bé của Van Dyck với kích thước chưa đầy một mét vuông đã trở thành niềm an ủi, vỗ về cho người đàn ông góa bụa đau buồn. Nếu bông hồng trong bức tranh thực sự là "biểu tượng" của sự trôi qua của cuộc sống, thì bức tranh tự nó tượng trưng cho thứ có thể gọi là nghệ thuật của nỗi buồn.

Ngoài các tượng đài danh dự trong các nhà thờ, được lắp đặt chủ yếu để tưởng nhớ những người đã khuất, chủ đề đau buồn trong nghệ thuật phương Tây trước thời đại của Van Dyck, trong thời Trung cổ và trong thời kỳ Phục hưng, như một quy luật, chỉ được tìm thấy trong tôn giáo. bức tranh và tác phẩm điêu khắc dành riêng cho câu chuyện bi thảm về cái chết của Chúa Kitô. …

Pieta của Michelangelo ở Vương cung thánh đường St. Peter

Pieta bằng đá cẩm thạch tuyệt đẹp của Michelangelo ở Vương cung thánh đường Thánh Peter là tác phẩm điêu khắc duy nhất mà ông từng ký tên. Cô mô tả Đức Trinh Nữ Maria đau buồn với Chúa Kitô đã chết nằm trong lòng cô. Đây có lẽ là ví dụ nổi tiếng nhất, nhưng cũng có nhiều ví dụ khác. Ví dụ, người ta có thể chọn một bức tranh của một nghệ sĩ thời Phục hưng Cao khác và là bạn của Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Theo các chuyên gia tại Phòng trưng bày Quốc gia, bức tranh (mà del Piombo đã làm việc với Michelangelo) "Lời ca tụng của Chúa Kitô đã chết" (c.1512-1516) là "cảnh đêm quy mô lớn đầu tiên trong lịch sử", và bầu trời đầy ánh trăng của nó. hoàn toàn phù hợp với tâm trạng u ám.

Pieta của Michelangelo ở Vương cung thánh đường Thánh Peter là một phiên bản nổi tiếng của một trong những hình ảnh phổ biến nhất trong Công giáo: nỗi buồn của Đức Trinh nữ Maria trước cái chết của con trai mình.

Tất nhiên, chủ đề truyền thống để tang Chúa đã được nhiều tác giả nổi tiếng trong lịch sử nghệ thuật khắc họa, từ Giotto và Mantegna đến Rubens và Rembrandt. Đây chỉ là một vài trong số hàng nghìn nghệ sĩ đã miêu tả khung cảnh trong Kinh thánh này bằng hình thức này hay hình thức khác qua nhiều thế kỷ. Thật vậy, nghệ thuật phù tang đã trở nên phổ biến đến mức đôi khi người ta quên mất những gì họ đang nhìn. Người phụ trách cuộc triển lãm mới của Rodin tại Bảo tàng Anh gần đây đã xuất bản một bài báo gợi ý rằng tác phẩm điêu khắc nổi tiếng của Pháp The Thinker trên thực tế nên được gọi là The Mourner. Ian Jenkins, một chuyên gia về nghệ thuật Hy Lạp cổ đại cho biết: “Hãy quan sát kỹ bàn tay và cằm. - Nếu người này đang suy nghĩ điều gì đó, anh ta sẽ lấy tay che cằm tỏ vẻ ân cần. Nhưng trong tác phẩm điêu khắc này, bàn tay đỡ cằm. Và ở Hy Lạp cổ đại, đó là một cử chỉ để tang."

"Isle of the Dead" của Arnold Böcklin

Bức tranh sơn dầu trên gỗ của Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. Cốt truyện của nó dựa trên thần thoại Hy Lạp cổ đại. Bức tranh đã truyền cảm hứng cho bộ phim kinh dị cùng tên của Jacques Tourneur

Nếu bạn nhập từ "đau buồn" vào một công cụ tìm kiếm trực tuyến của bất kỳ bảo tàng quốc tế nào, nó sẽ trả về nhiều kết quả. Ví dụ, ở Anh, một tìm kiếm từ khóa này trên trang web Tate Gallery đã trả về 143 tác phẩm nghệ thuật về chủ đề đau buồn và đau khổ từ các thời kỳ khác nhau.

Ví dụ, vào thế kỷ 18, các nghệ sĩ bắt đầu nhìn đau buồn và buồn bã qua lăng kính của kịch Shakespearean. Một chủ đề yêu thích là cái chết của Cordelia, con gái của Vua Lear. Vào thế kỷ 19, bức tranh Ophelia (1851-52) của John Everett Millais với chi tiết tuyệt đẹp mà người mẫu Elizabeth Siddal đã tạo dáng vài giờ mỗi ngày trong bồn tắm trong suốt 4 tháng, là một biểu hiện bằng hình ảnh nổi tiếng và rất thơ mộng về nỗi đau. Nó mô tả một nữ quý tộc Đan Mạch từ Xóm của Shakespeare, người đã phát điên lên vì đau buồn vì người cha bị sát hại và dìm mình xuống một dòng suối.

Rodin's The Thinker

Ian Jenkins ở Bảo tàng Anh tin rằng Rodin's The Thinker nên được gọi là The Mourner vì nhân vật này chống cằm trong bàn tay nắm chặt - một dấu hiệu rõ ràng cho thấy người đó đang thu mình và đắm chìm trong nỗi đau của chính mình.

Đau buồn là một chủ đề rất quan trọng đối với các nghệ sĩ trong thời đại Victoria, khi một "văn hóa tang tóc" phức tạp đang phổ biến. Trong cuốn Art of Death (1991), nhà sử học nghệ thuật Nigel Llewellyn lưu ý rằng "một nền văn hóa hình ảnh ấn tượng về cái chết" là một dấu ấn của thế kỷ 19.

"Người đàn bà khóc" của Picasso

Trong thế kỷ 20, các nghệ sĩ tiếp tục truyền thống của tổ tiên thời Victoria để bày tỏ sự đau buồn trong các tác phẩm của họ. Có lẽ ví dụ điển hình nhất là Người đàn bà khóc của Picasso (1937), được liên kết với bức tranh sử thi Guernica cùng năm của ông, được vẽ trong Nội chiến Tây Ban Nha để phản ứng lại việc máy bay Đức ném bom thành phố Basque. Guernica được nhiều người coi là biểu hiện cuối cùng của sự đau buồn tập thể trong thế kỷ 20. Tất nhiên, có rất nhiều ví dụ về các bức tranh khác của thế kỷ 20, chủ đề liên quan đến nỗi buồn. Ví dụ, bạn có thể nhớ lại một bức tranh nhỏ của Lucian Freud, được ông vẽ vào năm 1973 - bức chân dung của mẹ ông, đau buồn trước cái chết của chồng bà.

"Triptych" của Francis Bacon

Francis Bacon vẽ ở bảng bên trái của Triptych (tháng 8 năm 1972) người yêu của anh ta là George Dyer, người đã tự sát

Tác phẩm Triptych của Francis Bacon, cũng được trưng bày tại Tate ngày nay, đã cố gắng chạm đến nỗi đau của cả cá nhân và công chúng. Một trong những cái gọi là Black Triptychs của Bacon được vẽ sau cái chết của người tình George Dyer, hình ảnh có thể được nhìn thấy trong bảng điều khiển bên trái. Vì vậy, chiếc kiềng ba chân là một minh chứng khó quên và rất riêng cho sự đau khổ của người họa sĩ (tình cờ, được mô tả trong khung bên phải).

Đương nhiên, hai cuộc Thế chiến trong thế kỷ 20 không thể không có tác động đến nghệ thuật. Các nhà phê bình nghệ thuật cho rằng chiến tranh đã ảnh hưởng sâu sắc đến cách các nghệ sĩ khắc họa nỗi đau, so với thế kỷ 19. Không giống như tang lễ thời Victoria, nơi mỗi gia đình phải trải qua những đau buồn riêng lẻ, hầu hết mọi gia đình ở châu Âu đều bất ngờ đau khổ.

Đài tưởng niệm chiến tranh

Một hệ quả của việc này là nỗ lực chính thức của chính phủ nhằm "tạo ra một nền văn hóa thị giác thích hợp cho việc tang tóc." Những hình tượng cổ điển, mang tính ngụ ngôn rất được người thời Victoria yêu thích đã không còn hợp thời nữa. Thay vào đó là những đài tưởng niệm chiến tranh nhấn mạnh sự hy sinh chung của dân tộc hơn là sự mất mát của từng cá nhân.

Đài tưởng niệm chiến tranh Cenotaph gần Whitehall, London, được thiết kế bởi Edwin Lutyens, là một ví dụ điển hình của cách tiếp cận mới này: Thay vì hình người, có một chiếc quan tài rỗng có thể được liên kết với bất kỳ người lính nào. Các gia đình đau buồn có thể sử dụng nó như một biểu tượng chung.

Taryn Simon đã thực hiện tác phẩm sắp đặt "Chiếm đoạt mất mát", với sự tham gia của 21 "người đưa tang chuyên nghiệp" đến từ các nền văn hóa khác nhau

Tính linh hoạt của đau buồn vẫn là một chủ đề được các nghệ sĩ đương đại đề cập đến. Đầu năm nay, nhiếp ảnh gia người Mỹ Taryn Simon đã nhận được nhiều lời khen ngợi cho tác phẩm sắp đặt trực tiếp của cô ấy là Occupation of Loss, được dàn dựng trong một hội trường dưới lòng đất ở phía bắc London. Đối với tác phẩm được công chiếu tại New York vào năm 2016, Simon đã mời 21 “người đưa tang chuyên nghiệp” từ khắp nơi trên thế giới, bao gồm Albania, Azerbaijan, Ecuador, Ghana và Venezuela. Khán giả có thể lắng nghe từng người phụ nữ này.