Điểm chung giữa tác phẩm của Picasso và thời cổ đại: Các tác phẩm bắt chước không thể bắt chước của thiên tài về Chủ nghĩa lập thể và Chủ nghĩa siêu thực

2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21

Pablo Picasso không cần giới thiệu. Họa sĩ lập thể, người soạn thảo, người vẽ tranh, nhà điêu khắc và thợ in, ông vẫn là một trong những nhân vật có ảnh hưởng nhất trong lịch sử văn hóa hiện đại. Tuy nhiên, trong khi ông đang ở trung tâm của nghệ thuật đương đại, nhiều nguồn cảm hứng của ông được rút ra trực tiếp từ quá khứ xa xưa. Điều này không có gì đáng ngạc nhiên, vì các nghệ sĩ luôn nhìn lại mình. Nhưng cái cách mà sự cổ kính xuất hiện lặp đi lặp lại trong các tác phẩm của Picasso khác xa với những bức tranh hàn lâm mang tính đạo đức của thế kỷ 18, văn hóa và hình ảnh.

Pablo là một nhà sưu tập vĩ đại, và ông đặc biệt bị thu hút bởi sự đơn giản và bí ẩn của những đồ tạo tác cổ đại. Ông khám phá nghệ thuật Hy Lạp cổ đại khi còn là sinh viên, theo học tại bảo tàng Louvre, trong khi thăm các bảo tàng châu Âu khác cho thấy ông lấy cảm hứng từ các nền văn minh Địa Trung Hải trong quá khứ. Năm 1917, Pablo đến thăm Ý lần đầu tiên cùng với nghệ sĩ Jean Cocteau. Ông đã được truyền cảm hứng bởi nghệ thuật La Mã mà ông đã thấy ở đó, nó đã châm ngòi cho những gì được gọi là thời kỳ cổ điển của ông. Các tác phẩm của nghệ sĩ từ năm 1917 đến năm 1923 chứa đầy tượng khỏa thân, bố cục cổ điển và thần thoại.

Ngay cả trước đó, Pablo đã bắt đầu tạo ra những bức khắc đáng lo ngại và thường mang tính khiêu dâm về Minotaur trong thần thoại. Không có gì ngạc nhiên khi sinh vật giống bò tót trong thần thoại này là một hình ảnh lặp đi lặp lại trong các tác phẩm của nghệ sĩ. Tất nhiên, những chú bò tót là một yếu tố quan trọng của văn hóa Tây Ban Nha, nhưng đó không phải là tất cả. Pablo bị thu hút bởi năng lượng khiêu dâm và sức mạnh thể chất khổng lồ của sinh vật, đó là lý do tại sao có nhiều phiên bản mà anh ta sử dụng Minotaur làm chân dung của mình.

Gặp gỡ Sao Kim của Willendorf, một bức tượng nhỏ bằng đá vôi 25.000 năm tuổi được phát hiện vào năm 1908 trên bờ sông Danube ở Áo. Nó là một trong những tác phẩm nghệ thuật được biết đến sớm nhất trên thế giới. Bộ ngực khá lớn cũng như phần hông và bụng rộng của bức tượng khiến nhiều người tin rằng bức tượng mô tả một người phụ nữ mang thai, có thể là biểu tượng của khả năng sinh sản.

Tuy nhiên, bên ngoài các thuật toán, Venus of Willendorf thiên về sự tôn vinh một người phụ nữ ở tất cả các thái độ cơ thể của cô ấy, một sự trừu tượng xinh đẹp và cân đối của hình dáng phụ nữ.

Và không có gì đáng ngạc nhiên khi ảnh hưởng của sao Kim tỏa sáng trong các bức tranh khỏa thân theo trường phái lập thể ban đầu của nữ họa sĩ, được vẽ gần như cùng thời điểm với khám phá của cô. Những bức ảnh khoả thân hiện đại hoành tráng này gợi ý đến hình dáng cơ thể của cô, bộ ngực chảy xệ và cái bụng hóp vào. Những bức ảnh khoả thân của Pablo có xu hướng có cùng một cảm giác nghiêm túc trong sự đơn giản biểu cảm đáng ngạc nhiên của chúng.

Cơ thể phụ nữ trừu tượng này đã được hồi sinh vào thế kỷ XX với sức mạnh đến mức nó vẫn chưa hết xung lực. Một ví dụ xuất sắc về điều này là tác phẩm của nghệ sĩ người Pháp Niki de Saint Phalle. Những tác phẩm điêu khắc vui tươi của cô về Nana đã truyền tải một cách hoàn hảo sức nặng và sự hiện diện của hình dáng phụ nữ mang tính biểu tượng.

Sao Kim của Willendorf chỉ là một ví dụ về cách các bậc thầy thời tiền sử trừu tượng hóa hình thức tượng hình. So sánh hình ảnh bên trên và bên dưới. Bức đầu tiên trong số này là một tác phẩm chạm khắc khoảng mười bốn nghìn năm tuổi, được tìm thấy trong hang động La Madeleine ở Pháp vào năm 1875. Vật thể thứ hai dưới đây là một chiếc yên xe đạp đã được chuyển đổi và tay lái - một tác phẩm nghệ thuật hiện đại đầy dí dỏm. Những mảnh vỡ này cách nhau hàng nghìn năm, nhưng cả hai đều thấm nhuần cùng một tinh thần trừu tượng.

Cả hai hình thức đều được xác định trước bởi vật liệu mà chúng được chế tạo. Nhà điêu khắc thời tiền sử của chúng tôi đã miêu tả một cách xuất sắc một con bò rừng đang quay đầu có hoa văn sang một bên. Chiếc đầu bò của Pablo đơn giản hơn nhiều: làm lại yên xe và ghi đông. Cả hai đối tượng cho thấy rằng người tạo đang làm điều tương tự bằng cách diễn giải đối tượng.

Trên thực tế, khả năng trừu tượng hóa là thứ kết nối nghệ thuật cổ đại với nghệ thuật hiện đại. Đồ gốm cổ Hy Lạp cổ đại màu đen (và sau đó là màu đỏ), giống như hình trên amphora giải Panathenaic, thể hiện sự thiếu tôn trọng hoàn toàn đối với không gian ba chiều. Điều này không phải do các nhà sản xuất bằng cách nào đó không sở hữu công nghệ.

Đồ gốm với các hình vẽ màu đỏ và đen cho thấy, cùng với tác phẩm điêu khắc có cùng niên đại, các nghệ nhân quan tâm nhiều hơn đến nét vẽ, sự đối xứng và phong cách hơn là thể hiện bất kỳ sự quan tâm nào đến việc miêu tả (hoặc ai) trước mặt họ. Điều tương tự cũng áp dụng cho Picasso. Xét cho cùng, trừu tượng là sự hiểu biết về những gì đang ở trước mặt bạn và quyết định khắc họa nó theo một cách hoàn toàn khác.

Pablo đã mô tả việc tạo ra các tác phẩm của mình vào năm 1943 cho nhiếp ảnh gia George Brassai:. Nhìn vào công việc thời tiền sử và hiện đại cùng nhau cho thấy rằng quá trình sáng tạo đơn giản là không thay đổi.

Mối quan tâm của Pablo đối với đồ gốm cổ thịnh hành nhất vào cuối những năm 1940 và đầu những năm 1950, khi xưởng vẽ của ông có trụ sở tại Vallauris, Pháp. Chính trong môi trường này, niềm đam mê của ông với đồ cổ là đáng ngạc nhiên nhất, cả từ quan điểm về sự giống nhau về hình thức của các tác phẩm điêu khắc và bình gốm của ông, cũng như động cơ trang trí và tuyến tính của chúng. Như mọi khi, thay vì sao chép trực tiếp các hình ảnh và hình thức từ quá khứ xa xưa, nghệ sĩ đã phát minh ra một loại thần thoại hư cấu bão hòa với hình ảnh vượt thời gian và mục vụ.

Vào năm 2019, triển lãm tuyệt vời "Picasso và đồ cổ" đã khai mạc tại Bảo tàng Nghệ thuật Cycladic ở Athens. Các giám tuyển Nikolaos Stampolidis và Olivier Berggrün đã kết hợp các bức vẽ và đồ gốm quý hiếm của nghệ sĩ với các đồ tạo tác cổ, cho phép du khách thấy được mối liên hệ trực tiếp giữa Pablo và thế giới cổ đại. Chỉ khi nhìn rõ những vật thể này tương tác với nhau như thế nào, người ta mới thấy rõ Picasso đã vay mượn nhiều như thế nào trong các tác phẩm của mình từ thời cổ đại.

Sự chú ý của Pablo không chỉ tập trung vào cổ vật phương Tây. Vào đầu những năm 1900, thẩm mỹ của nghệ thuật điêu khắc truyền thống châu Phi cũng trở thành một thẩm mỹ mạnh mẽ trong các nghệ sĩ châu Âu tiên phong. Bản thân nghệ sĩ thực sự vẫn còn mơ hồ về vấn đề này, từng tuyên bố nổi tiếng, “Nghệ thuật châu Phi? Tôi chưa bao giờ nghe nói về một điều như vậy."

Và không có gì đáng ngạc nhiên khi cuộc tranh cãi này xuất hiện cách đây hơn mười năm. Cuộc triển lãm quan trọng đầu tiên về tác phẩm của nghệ sĩ ở Nam Phi đã thu hút sự phản đối dữ dội sau khi một quan chức cấp cao của chính phủ cáo buộc ông ăn cắp tác phẩm của các nghệ sĩ châu Phi để thúc đẩy "tài năng thất bại" của ông.

Trong The Maidens of Avignon, Pablo xử lý nhân vật theo cách cách điệu pha trộn với những con đường nghệ thuật phi phương Tây. Ba khuôn mặt trong bức ảnh trên được cho là được mô phỏng theo tác phẩm điêu khắc cổ Iberia. Có tin đồn rằng Picasso đã sở hữu một số tác phẩm điêu khắc cổ đại này bị đánh cắp khỏi Louvre bởi những người quen của ông.

Chính Pablo đã từng nói:. Người ta chỉ có thể nhìn vào cuộc sống đa tình nóng nảy của anh ta và xem con thú có sừng và cơ bắp như con vật của anh ta thay đổi bản ngã. Nếu những câu chuyện này là sự thật, nói cách khác, anh ta đã là một con quái vật thực sự đối với nhiều tình nhân của anh ta. Trong khi miêu tả mình là một Minotaur, anh ấy đã đồng thời khoe khoang và thú nhận khía cạnh này của nhân vật của mình.

Vậy anh ấy có thực sự là một nghệ sĩ đương đại? Ồ chắc chắn rồi. Nhưng điều rất quan trọng là phải nhớ mối liên hệ giữa tác phẩm của ông và nghệ thuật thời cổ đại. Nghệ thuật đương đại của Pablo nên nhắc nhở chúng ta rằng ngọn lửa sáng tạo đã bùng cháy rực rỡ trong nhân loại ngay từ thuở sơ khai. Người xem không nên nhìn vào tác phẩm của Pablo và thấy ở họ sự sáng tạo ra một thứ gì đó hoàn toàn mới, thay vào đó, nên xem tác phẩm của anh ấy theo cách như vậy để nhắc nhở bản thân rằng trên thực tế, có rất ít thay đổi, và không có khả năng xảy ra. thay đổi.

Tiếp tục chủ đề về nghệ sĩ, hãy đọc thêm về làm thế nào hội họa tượng hình đã được hồi sinh một lần nữa, chiếm một vị trí vững chắc trong thế giới nghệ thuật đương đại.