Mục lục:
- Những hình ảnh súp có ý nghĩa gì?
- Làm thế nào những bức tranh đầu tiên nhìn thấy ánh sáng
- Tại sao những bức tranh lại trở nên gây xúc động mạnh như vậy?
Video: Tại sao 32 bức tranh của Andy Warhol, chỉ có lon súp, lại trở thành một tác phẩm nghệ thuật
2024 Tác giả: Richard Flannagan | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 00:21
Ngày 9 tháng 7 năm 1962 nghệ sĩ ít được biết đến Andy Warhol đã mở một cuộc triển lãm nhỏ tại Phòng trưng bày Ferus ở Los Angeles. Chủ đề của triển lãm rất đơn giản: đó là những lon súp! Mỗi bức tranh trong số ba mươi hai bức tranh mô tả các hương vị và mùi thơm khác nhau của súp Campbell, từ cà chua đến hạt tiêu cho đến kem cần tây. Người nghệ sĩ đã gửi gắm ý nghĩa gì vào những tác phẩm này? Bí quyết thành công đáng kinh ngạc và được mọi người công nhận là gì?
Đối với Warhol, khi đó ba mươi tư tuổi, đây là cuộc triển lãm tranh cá nhân đầu tiên. Vào thời điểm đó, anh đã là một nghệ sĩ thương mại hàng đầu trong gần một thập kỷ, làm việc với các đế chế kinh doanh như Tiffany & Co. và Dior. Andy đã quyết tâm trở thành một nghệ sĩ “thực thụ”, được các viện bảo tàng và giới phê bình công nhận. Vũ khí bí mật của anh ta? Phong cách mới nổi của "nghệ thuật đại chúng".
Những hình ảnh súp có ý nghĩa gì?
Nghệ thuật đại chúng đã đảo lộn nghệ thuật truyền thống. Thay vì chân dung, phong cảnh, cảnh chiến đấu hoặc các đối tượng khác mà các chuyên gia coi là "nghệ thuật", các nghệ sĩ như Warhol lấy hình ảnh từ quảng cáo, truyện tranh và các yếu tố khác của văn hóa đại chúng. Họ sử dụng sự hài hước và châm biếm để bình luận về việc sản xuất hàng loạt và chủ nghĩa tiêu dùng đã thống trị cuộc sống và văn hóa của người Mỹ (và không phải người Mỹ) như thế nào.
Những họa sĩ trừu tượng những năm 1950 như Jackson Pollock có thể tự tôn vinh mình là những thiên tài sáng tạo, theo chủ nghĩa cá nhân. Các nghệ sĩ của những năm 1960 có cách tiếp cận ngược lại. Họ đã cố gắng làm mịn hoặc loại bỏ tất cả các dấu vết của quá trình nghệ thuật của riêng họ - ví dụ, các nét vẽ. Họ luôn cố gắng làm cho công việc của mình có cảm giác gần như máy móc, giống như món đồ sản xuất hàng loạt mà cô ấy miêu tả. Gần như.
Để vẽ chiếc hộp súp của Campbell, Warhol chiếu chiếc hộp súp lên tấm vải trống của mình, phác thảo đường viền và các chi tiết, sau đó cẩn thận tô nó bằng bút lông và sơn. Để có tính nhất quán, anh ấy đã sử dụng con dấu tay để vẽ hoa văn huy hiệu xung quanh mép dưới của mỗi nhãn, nhưng không phải lúc nào nó cũng diễn ra đúng như ý muốn. Những chi tiết nhỏ - những đốm đỏ nhỏ trong bức tranh Tomato Soup, hoa huệ được đóng dấu bất thường trên người khác - đã phản bội nguồn gốc thủ công của những bức tranh. Sử dụng kỹ thuật nghệ thuật thị giác để mô tả các đồ vật hàng ngày, Warhol đã gây ra một cuộc tranh cãi đáng kể trong nghệ thuật đại chúng. Mặc dù chúng được cho là trông giống như được làm bằng máy móc, nhưng mỗi bức tranh có một chút khác biệt - và không chỉ nhãn mác.
Có một điểm chung mà cả ba mươi hai bức tranh đều có điểm chung. Thay vì ghi chi tiết huy chương phức tạp ở giữa nhãn của mỗi lon, đại diện cho "huy chương vàng về chất lượng" mà món súp của Campbell đã giành được tại Triển lãm Paris năm 1900, Warhol đã thay thế nó bằng một vòng tròn vàng đơn giản. Blake Gopnik, người viết tiểu sử của Warhol đã nghĩ về điều này theo cách này: “Có phải chỉ vì các loại sơn khác không bám vàng tốt không? Hay là do phải tốn quá nhiều công sức mới có được những tấm huy chương thực sự? Hoặc có thể anh ấy chỉ thích con dấu đồ họa của vòng tròn vàng?"
Hiệu ứng đồ họa và bầu không khí hoài cổ có thể là hai lý do khiến Warhol chọn dòng sản phẩm Campbell làm biểu tượng nhạc pop của mình. Thiết kế cổ điển của nhãn hiệu này đã thay đổi rất ít kể từ khi ra mắt vào đầu thế kỷ 20. Bao gồm cả chữ thảo giản dị "Campbell", mà người lưu trữ của công ty cho rằng rất giống với chữ ký của người sáng lập Joseph Campbell. Và Warhol tự mình lớn lên nhờ món súp của Campbell. "Tôi đã ăn nó. Cùng một bữa trưa trong hai mươi năm,”ông nói.
Làm thế nào những bức tranh đầu tiên nhìn thấy ánh sáng
Khi Triển lãm Warhol khai mạc vào năm 1962, văn hóa đại chúng đang ở giai đoạn sơ khai. Mọi người không biết phải làm gì với nghệ thuật, điều này rất khác với mọi thứ mà nghệ thuật được cho là.
Đầu tiên, Irving Blum, một trong những chủ nhân của phòng tranh Ferus, đã quyết định trưng bày các bức tranh trên các giá hẹp dọc theo chiều dài của phòng tranh, giống như trong lối đi trong siêu thị. “Các ngân hàng đã lên kệ,” sau đó anh ấy nói về việc sắp đặt của mình. Tại sao không?
Buổi biểu diễn không tạo được tiếng vang như Blum và Warhol đã hy vọng. Trên thực tế, phản ứng ít nhận được từ công chúng hay các nhà phê bình nghệ thuật là khá gay gắt. Một nhà phê bình viết: “'Nghệ sĩ' trẻ tuổi này là một kẻ ngốc đầu óc hoặc một lang băm cứng đầu. Một phim hoạt hình trên Thời báo Los Angeles đã chọc cười những bức tranh và khán giả dự định của chúng. “Thành thật mà nói, kem măng tây không phù hợp với tôi,” một người yêu nghệ thuật nói với một người khác, đang đứng trong một phòng trưng bày. "Nhưng độ đậm đà khủng khiếp của món mì gà mang lại cho tôi cảm giác zen thực sự." Người buôn tranh bên cạnh Phòng trưng bày Ferus thậm chí còn sắc sảo hơn. Anh ấy bày những lon súp Campbell thật trong cửa sổ của mình, cùng với chú thích: “Đừng bị lừa. Nhận bản gốc. Giá thấp nhất của chúng tôi là hai chiếc với giá 33 xu."
Bất chấp tất cả, Blum vẫn bán được 5 bức tranh - chủ yếu là cho bạn bè, bao gồm cả nam diễn viên Dennis Hopper. Nhưng ngay cả trước khi buổi biểu diễn khép lại, anh ấy đã đột ngột thay đổi quyết định. Nhận thấy rằng những bức tranh phù hợp nhất cho một bộ hoàn chỉnh, Blum đã mua những bức tranh mà anh ấy đã bán. Anh ta đồng ý trả cho Warhol 1.000 đô la cho mọi thứ. Warhol rất vui mừng - anh luôn nghĩ về những chiếc Hộp Súp của Campbell như một bộ đồ ăn. Đối với cả nghệ sĩ và nhà cái, quyết định này là một động thái "khôn lanh" nhưng sẽ được đền đáp trong tương lai.
Tại sao những bức tranh lại trở nên gây xúc động mạnh như vậy?
Một khi công chúng và các nhà phê bình vượt qua cú sốc, họ bắt đầu chín mùi với những lon Warhol. Đầu tiên, đó là một ý tưởng mới trong nghệ thuật. Thật khó để hiểu một bức tranh nếu bản gốc có thể nằm trên kệ bếp? Các nhà phê bình bắt đầu chú ý đến sự hài hước lém lỉnh, mỉa mai trong "chân dung" Scotch Broth và Chicken Gumbo của Warhol. Và quyết định giữ các bức tranh lại với nhau của Blum đã làm tăng ảnh hưởng của họ.
Cuộc triển lãm tại Phòng trưng bày Ferus đã đánh dấu một bước ngoặt trong sự nghiệp của Warhol. Sau Hộp súp của Campbell, Warhol chuyển từ vẽ sang in lụa, một quá trình tạo ra nhiều kết quả máy móc hơn và cho phép anh tạo ra nhiều phiên bản của cùng một tác phẩm. Danh tiếng của anh tiếp tục phát triển. Đến năm 1964, giá yêu cầu cho một bức tranh lon súp mà Blum còn thiếu trong bộ tranh của Blum đã tăng lên 1.500 đô la, và các trang mạng xã hội ở New York đã đặt những bức tranh có thể in súp bằng giấy do chính Warhol thực hiện.
Bản thân Campbell's Soups cũng sớm tham gia vào cuộc vui. Vào cuối những năm 1960, công ty đã sở hữu những chiếc váy giấy được ưa chuộng lúc bấy giờ với chiếc váy Souper Dress và một chiếc túi xách nhỏ được bao phủ bởi nhãn súp kiểu Warhol. Mỗi chiếc váy có ba sọc vàng ở dưới cùng, vì vậy người mặc có thể cắt chiếc váy theo chiều dài hoàn hảo mà không cần cắt mẫu lon thiếc. Giá: $ 1 và hai nhãn Campbell's Soup.
Ngày nay, những lon súp của Warhol vẫn là một biểu tượng văn hóa đại chúng, từ đĩa và cốc cho đến cà vạt, áo phông, ván lướt sóng và ván trượt. Một trong những bức ảnh nổi bật nhất liên quan đến chính Warhol: trên trang bìa của Esquire vào tháng 5 năm 1969, anh ta đang chết chìm trong một lon súp cà chua của Campbell.
Cuối cùng, những chiếc lon của Warhol đã được Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại công nhận xứng đáng được gọi là nghệ thuật. Năm 1996, bảo tàng đã mua tất cả ba mươi hai bức tranh từ Irving Blum với giá 15 triệu đô la vũ trụ - một khoản lợi nhuận đáng kinh ngạc cho khoản đầu tư 1.000 đô la của ông vào năm 1962. Ngay cả Souper Dress đã được tuyên bố là một cổ điển. Năm 1995, một năm trước khi các bức tranh đến Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, chúng được đưa vào bộ sưu tập của Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan.
Nghệ thuật khiến chúng ta phải dừng lại và suy nghĩ, nhưng người nghệ sĩ thực sự muốn nói gì? Nó thường xảy ra rằng nó chỉ đơn giản là đánh vào trái tim chúng ta, khơi dậy sự ngưỡng mộ đối với kỹ năng của người tạo ra kiệt tác. Đọc bài viết của chúng tôi Đâu là bí mật của những bức bích họa "xảo quyệt" vào thế kỷ 17 trong nhà thờ Thánh Ignatius ở La Mã: Công nghệ 3D của quá khứ.
Đề xuất:
Làm thế nào một nữ tu sĩ trở thành một ngôi sao trong nghệ thuật đại chúng và nghệ thuật phản kháng: Chị Mary Corita Kent
Nghệ thuật đại chúng là tất cả về sự tôn vinh văn hóa đại chúng, màu sắc tươi sáng và khẩu hiệu hào nhoáng, thử nghiệm với chất liệu và một cái tát vào mặt thị hiếu của công chúng. Và nữa - ít nhất là trong nhận thức của số đông - những bữa tiệc bão táp, những bộ phim tai tiếng, những tiểu sử điên rồ của các nghệ sĩ và nhiếp ảnh gia … Ít nhất những điều trên đều gắn liền với chiếc áo tu. Tuy nhiên, nữ tu thực sự là nghệ sĩ xuất sắc của nghệ thuật đại chúng. Tên cô ấy là Corita Kent, và trong công việc của cô ấy, tình yêu Chúa và sự phản kháng chính trị hợp nhất
Ai và tại sao lại viết những bức thư "xa và rộng", và Tại sao họ lại vi phạm các quy tắc của nghi thức
Một bức thư như vậy trông giống như một loại mật mã nào đó, và thực sự, phải mất một chút công sức để đọc nó. Nhưng người gửi đã không theo đuổi mục đích gây nhầm lẫn cho người nhận thư. Và bạn không nên đổ lỗi cho anh ta vì sự không khéo léo: lý do tại sao bức thư được viết theo chiều ngang khá thông cảm, ngay cả khi người ta biết rằng Jane Austen và Charles Darwin đã từng sử dụng phương pháp này, hoàn toàn nhận thức được thực tế là họ đang vi phạm một số quy tắc của nghi thức
Những chiếc lon giấy như một tác phẩm nghệ thuật. Tác phẩm điêu khắc khác thường của Yoshio Hasegawa
Nếu không có một tờ giấy, bạn là một con bọ, nhưng với một tờ giấy … bạn có thể trở thành một nhà điêu khắc tài năng và đầy triển vọng. Như Polly Verity và các tác phẩm điêu khắc bằng giấy và dây của cô ấy, hay Jeff Nishinaka với những kiệt tác giấy của mình. Và sau đó là một đại diện khác của các nhà điêu khắc phương Đông, những người thích giấy hơn bất kỳ chất liệu nào khác, Yoshio Hasegawa, người có tác phẩm điêu khắc sẽ được thảo luận hôm nay
Tác phẩm Polaroid của Andy Warhol: 10 bức ảnh chụp sao và một số bức ảnh tự chụp của Vua nghệ thuật nhạc Pop
Andy Warhol đã so sánh các bức ảnh chụp Polaroid với một cuốn nhật ký bằng hình ảnh, và do đó, ông thích chụp ảnh những người nổi tiếng. Và sau đó - anh ấy tạo ra các bức chân dung, sao chép chúng tại "Nhà máy". Sự chú ý của bạn - 10 bức ảnh chụp sao và một vài bức ảnh tự chụp của ông hoàng nhạc pop
Tại sao bức tranh sử thi "Phòng thủ Sevastopol" của A. Deineka lại gây tranh luận sôi nổi, và tại sao người phụ nữ lại tạo dáng cho cô ấy
Ngày nay, nghệ sĩ Alexander Alexandrovich Deineka, người đã vẽ vào nửa đầu thế kỷ XX, được gọi là người theo chủ nghĩa hiện đại cực kỳ hiện đại. Ông yêu thích các góc khác thường, động lực học và tính kỳ vĩ của các hình ảnh được mô tả. Một trong những bức tranh mang tính biểu tượng của họa sĩ là "Defense of Sevastopol". Một số nhà phê bình khen bức tranh có độ xúc động mãnh liệt, số khác lại không thích sự hậu đậu quá mức, nhưng không ai thờ ơ